The Entertainment Files

Madrid en Danza 2008

2008-04-07T17:49:00.004Z

Madrid nos vuelve a ofrecer un viaje alrededor de la danza. Del 8 al 29 de abril podremos sumergirnos en la más instintiva de todas las artes escénicas, en Sus múltiples formas, en la XXIII Edición del Festival Internacional Madrid en Danza.

Más de 300 artitas, procedentes de los más diversos lugares del planeta, se darán cita en las calles y teatro de la capital durante 23 intensos días en los que Madrid muestra la coreografía más actual y las diferentes visiones de los creadores, con su personal visión y forma de vivir la danza. Madrid en Danza nos propone un recorrido por múltiples caminos de la danza.

Compañías de Senegal, Canadá, Italia, Alemania, Taiwan, Francia, Reino Unido, Israel, Irlanda y España participarán en un festival que acoge las danzas más actuales. Destacables son las coreografías de Carolyn Carlson- Inanna-; la Suitte para dos pianos/Soneto/Beethoven 7 del Ballet de la Ópera de Leizpig; Orion/Caravan, de Cesc Gelabert; Moon Water, de Cloud Gate Dance Theater of Taiwan, con coreografía de Lin Hwai-Min, y De cabeza, de Teresa Nieto.

Entre las compañías presentes este año hay que mencionar a Losdedae (Onions, de Chevy Muraday); 10&10 Danza (Lo k n ves, n xsT, de Mónica Runde; la Compañía Daniel Abreu (Negro); Thomas Noone Dance (Mur) o Compagnie Jant-Bi (Waxtaan), y a bailarines como la canadiense Louise Lecavalier (Lone Epic/Lula and the sailors/”I” is memory), la israelí Talia Paz (Magnolia/Love/Habayta) y el irlandés Colin Dunne (Out of time).

El Festival, consolidado como certamen internacional, se amplía con actividades parelelas en las que el público podrá acercarse de una forma distinta a los profesionales de la danza. Así, bajo el título El peso engaña, se organizarán mesas redondas y conferencias sobre los hábitos y transtornos alimentarios; el cine llegará en el ciclo La cámara coreográfica, donde podrán verse películas como “West Side Story” o “The Rocky Horror Picture Show”. Además, habrá clases magistrales de la coreógrafa Eddie Ladd y el cámara Luke Jacobs en la Universidad de Alcalá de Henares.

Madrid en Danza concluirá con la celebración pública del Día Internacional de la Danza el 29 de abril en la Plaza de Oriente a las 18:00 de la tarde donde podrán verse de forma gratuita coreografías clásicas y actuales. A las 20:00 de la tarde tendrá lugar la Gala del Día Internacional de la Danza con un homenaje a la bailarina Ana Laguna en el Teatro Albéniz.

Tio Vania:Chèjov clásico

2008-03-22T19:48:00.006Z

Representar a Chéjov es hacer un clásico. Y montar Tío Vania supone poner en escena una de las obras más representadas en el mundo teatral. El Centro Dramático Nacional acoge ahora la versión dirigida por Carles Alfaro con adaptación de Rodolf Sirera y con un reparto que promete grandes dosis de intensidad.

Es ésta una oportunidad para volver a ver en el escenario del CDN a Francesc Orella y Enric Benavent después de sus magníficos papeles en Un enemigo del pueblo. A ellos se unen en el reparto la gran María Asquerino y Emma Suárez, que vuelve al teatro después de hacer Electra con Mario Gas hace dos años.

Además, tendremos oportunidad de ver a la televisiva Malena Alterio (Aquí no hay quien viva) en uno de los personajes femeninos más codiciados teatralmente: la fea y trabajadora Sonia, enamorada sin que le correspondan.

Tío Vania recoge la esencia del teatro de Chéjov. La fatalidad, el destino y el pesimismo, la apatía de la existencia y el fracaso son los temas que transitan en la obra. Bajo el manto cotidiano, se esconden pasiones y frustraciones. Los diálogos parecen fluir, banales en apariencia, pero mostrándonos cada pequeño detalle del alma de los personajes. Como señalaba el autor, "los hombres comen, duermen, fuman y dicen banalidades y sin embargo se destruyen".

En las obras de Chéjov, como en la vida, la gente no vive intensamente cada segundo. “La gente no se suicida, no se ahorca no se enamora ni dice cosas geniales a cada minuto”. De ahí que su máxima sea que “la vida en la escena debe ser lo que es en realidad, y la gente, por tanto, debe andar naturalmente y no sobre zancos”.

La rivalidad entre la vida urbana y el campo, entre campesinos e intelectuales, entre el amor pasional y el amor acomodado, entre la belleza y la fealdad se muestran en la obra con fluidez, como algo natural, tal y como sucede en la vida cotidiana.

Como señala Sirera, “nadie consigue lo que persigue en el pequeño microcosmos en el que Vania, su familia y otros compañeros de destierro lamentan incesantemente su incapacidad para actuar. O la inutilidad de sus esfuerzos. Al final, como en otras obras del autor, unos se van y otros se quedan. Pero, en el fondo –ellos no son conscientes, nosotros sí–, nadie se ha movido del único lugar en el que siempre estuvo”.

Alfredo Alcón: Un gran Rey Lear

2008-03-22T19:43:00.002Z

Conviene ir a ver Rey Lear. Gerardo Vera dirige esta adaptación del clásico de Shakespeare realizada por Juan Mayorga, una actualización que te envuelve y no te deja hasta el final.

Con una puesta en escena muy sencilla, lo que sorprende dados los últimos montajes del CDN y es de agradecer, el Teatro Valle-Inclán se llena de unos actores dispuestos a darlo todo por su personaje. Eso se aprecia y se agradece, sobre todo en el caso de Alfredo Alcón, que inunda las tablas con su presencia.

El argentino Alfredo Alcón es el magnífico Lear. Parece increíble que tenga 78 años. En escena, este grandísimo actor no se transforma, &Quotes&quot el viejo rey traicionado por sus hijas que acaba en la locura.

Junto a Alcón, destacan Luis Bermejo en el papel del bufón y Juli Mira como el conde de Gloucester, pero tampoco hay que olvidar a Pedro Casablanc como el conde de Kent y a Carmen Elías y Cristina Marcos como las hijas traidoras, Gonerill y Regan, o al malvado Edmond, interpretado por Jesús Noguero, y al buen Edgar, papel en manos de Albert Triola.

Todos ellos componen un Shakespeare actualizado, sobre todo en el texto, donde todo el fondo de las pasiones humanas, de las más altas a las más bajas, se suceden con fluidez. Sin la parte más anticuada del lenguaje que, en ocasiones hace a los clásicos demasiado clásicos, Mayorga ha sabido despejarlo para dejarnos un texto claro y tan comprensible que te guía sin tregua hasta el desenlace final.

La vejez, el amor, la traición, la lealtad, la locura, la guerra, la crueldad, la sangre, la familia... todos los temas shakesperianos aparecen en esta obra con algunas de las mejoras escenas del teatro (la división del reino, la marginación de la sincera Cordelia, Lear bajo la tormenta, Gloucester en el acantilado, el reencuentro entre padre e hijo, la llegada de Cordelia desde Francia..) que da gusto revisar de tanto en tanto, sobre todo, si es de la mano de esta estupendo montaje del CDN.

Tim Burton en Madrid

2008-01-24T19:42:00.000Z

Tim Burton ha tenido una agenda apretada en su visita a Madrid. Rueda de prensa, chats en internet y presentación popular de su nueva película. Se ha metido a todo el mundo en el bolsillo con su buen humor y su amabilidad. Prueba de ello son sus bromas sobre el protagonista de su nueva película, “Sweeney Todd. El barbero diabólico de la calle Fleet”, la historia de un barbero asesino en busca de venganza: “Sweeney Todd soy todo yo. Me he convertido en ese personaje. Da miedo. La única diferencia es que yo no sé cantar. Todo lo demás es igual”.

El director de “Beetlejuice”, “Ed Wood”, “Sleepy Hollow” o “Big Fish”, ha estado en España para presentala. Un estreno muy esperado. Y no sólo porque es la nueva película del genial director de “Charlie y la fábrica de chocolate” o “Batman”, que arrastra miles de fans a las salas de cine, sino porque es la adaptación de uno de los mejores musicales de Broadway, cuya música y letra se debe a uno de los grandes mitos de la escena musical estadounidense, Stephen Sondheim.En una rueda de prensa aborratoda y con periodistas mitómanos que se han lanzado a por autógrafos del realizador nada más concluir las preguntas, Burton ha hecho gala de una gran amabilidad. En una situación parecida, Sweeney Todd habría cortado varios cuellos.

Y es que la película no escatima en sangre: “La primera vez que ví la obra, su estilo era el de un gran guiñol e incluía mucha sangre. Es algo que formaba parte del show desde el principio. Era importante que esa sangre estuviera presente porque es una película impresionista y no realista. Nunca pensamos en cambiarlo, formaba parte de la obra original”, señala el director.

A Burton se le ve contento de esta película en la que ha hecho algo muy novedoso para él: utilizar la música. Los actores cantan durante todo el metraje. “Me gusta la mezcla de la belleza de la música, la emoción de la música con el horror y el humor. Y también con el drama de amor trágico. Es una fórmula que no había visto antes y que hacen de ésta una película muy singular”, dice Burton. Y añade que “era algo novedoso ver cómo reaccionaban los actores ante la música y cómo con ella hicieron cosas que yo no les había visto hacer nunca”.

Es el caso de Johnny Depp y Helena Bonham Carter (esposa de Burton), protagonistas de la película. Para Burton, Depp hace “un papel ideal en el que le vemos cantar, algo nuevo. Creo que con esto empieza un capítulo nuevo en su carrera”. Considera al actor, que fue el único al que Sondheim dio su aprobación sin oírle cantar, “un actor de rol, de personaje, parecido a los actores de las antiguas películas de terror”.

Sobre los Óscars, cuyas nominaciones conoceremos el martes, este autodenominado director de “películas principalmente para perros y algún gato”, no espera nada ya que, asegura riendo, “los musicales de horror normalmente no tienen premios”.

(En la foto, cartel de "Sweeney Todd" con la firma de Tim Burton)

Noche de danza con Baryshnikov

2007-09-04T10:26:00.000Z

Entre el 2 y el 5 de septiembre algunos tendrán la oportunidad de ver de nuevo a Mikhail Baryshnikov en Madrid. Y encima de un escenario (que es lo suyo, aunque ahora sea más conocido como el novio pintor de Carrie Bradshaw, la protagonista de la serie Sexo en Nueva York, interpretada por Sarah Jessica Parker).
Y digo algunos porque hace días que es imposible conseguir entradas, y yo me he quedado sin ellas (snifff)...
Con 59 años, volverá a bailar y no hay que perdérselo. Mucha gente dirá que está viejo y que no merece la pena. Es verdad que ya no veremos sus famosos saltos y sus piruetas, pero Baryshnikov conserva toda su presencia sobre las tablas y se dice que es el mejor bailarín vivo que existe. Es la oportunidad de ver bailar a una leyenda.

Lo demostró el año pasado cuando actuó con la compañía de la Baryshnikov Dance Foundation , Hell's Kitchen Dance. Al frente de la Fundación, Baryshnikov acompaña a los bailarines que forman parte del nuevo proyecto de la Fundación, Baryshnikov Arts Center (BAC). Y lo hace con enorme generosidad y gran sentido del humor. Sabe que él es el gran reclamo del cartel cuando danza. Su compañía, joven pero magnífica, es aún poco conocida y le viene muy bien la publicidad que acompaña al gran bailarín, que no defrauda. La coreografía en la que el año pasado danzó consigo mismo (detrás tenía una pantalla con imágenes de él hace años, bailando con toda la energía de la juventud). Con una gran elegancia y mucho humor, Barysnhikov repetía los gestos de su joven imagen. Por supuesto, sin piruetas ni saltos. Pero sólo verle allí, observando cómo se movía y cómo utilizaba los gestos y los brazos para transmitir, fue maravilloso. Al fin y al cabo, la danza debe transmitir, hacer sentir, y eso lo consigue Mikhail. En otra de las coreografías salía como el maestro, el que marcaba los pasos de la danza y todos los demás bailarines le seguían, transmitiendo el testigo a su joven compañía que demostró en todas las coreografías un nivel altísimo tanto de creación como de técnica y ejecución.

Este año Baryshnikov no viene con su joven compañía, pero estará magníficamente acompañado por Ana Laguna, Hristoula Harakas y Jodi Melnikc en el escenario del Teatro Español , y bailarán coreografías del prestigioso Jirí Kylián -ex director del Nederlands Dans Theater que, por cierto, abrirá la temporada del Teatro Real de Madrid en unos días- (CarMen), de Donna Cuchizono (Leap to Tall) y de Mats Ek (Place).

Sobre la desobediencia

2007-08-28T15:52:00.000Z

“Una persona puede llegar a ser libre mediante actos de desobediencia, aprendiendo a decir no al poder. Pero no sólo la capacidad de desobediencia es la condición de la libertad; la libertad es también la condición de la desobediencia. Si temo a la libertad no puedo atreverme a decir “no” no puedo tener el coraje de ser desobediente. En verdad, la libertad y la capacidad de desobediencia son inseparables; de ahí que cualquier sistema social, político y religioso que proclame la libertad pero reprima la desobediencia, no puede ser sincero”. Erich Fromm: Sobre la desobediencia y otros ensayos.

El crimen sin resolver

2007-08-17T09:49:00.000Z

El asesinato de Elisabeth Sort , conocida como "La Dalia Negra" por los vestidos negros que vestía - y bautizada así también como un juego de palabras con la película que Alan Ladd protagonizó por entonces (La dalia azul)-, inspiró el libro de James Ellroy en el que se basa la película, que ya anuncio que no he visto.

El libro de Ellroy es pura novela negra. Un crimen, unos detectives, una historia que resolver. Pero Ellroy siempre es es algo más. Es la corrupción que rodea a la polícia, la sordidez de Los Ángeles, las relaciones complicadas, la confusión, la búsqueda de la verdad como huída y medio que acabe con todos los problemas...

El crimen de La Dalia Negra quedó sin resolver. Hay muchísimas páginas en internet que hablan del tema y que tratan de hallar al culpable para tan horriple asesinato. Como los protagonistas del libro, mucha gente se ha enganchado a la historia de Betty Sort.

Una cita y una peli

2007-08-17T09:30:00.000Z

"La cosa más cruel que un hombre le puede hacer a una mujer es considerarla perfecta". D.H. Lawrence

No creo que sea la cosa más cruel (se me ocurren muchísimas más, millones de veces peores como la violencia, el asesinato...), pero es curiosa la cita. Está clarísimo que "Nadie es perfecto". Da que pensar y me recuerda el papel de Katherine Hepburn en "Historias de Filadelfia": la mujer a la que todos consideran perfecta y que quiere dejar de serlo, que desea que la vean como una mujer con sus fallos. Necesita que la quieran cuando deja de ser responsable y se deja arrastrar por el alcohol, la locura o la pasión.

Los Persas by Calixto Bieito

2007-07-30T15:24:00.001Z

Recién llegadita de Mérida -sí, ese lugar donde las palabras "brisa", "frescor" y "chaquetita" han sido borradas del diccionario porque ¿pá qué? si nadie conoce a qué se refieren- tras un viaje de una rapidez digna de Regreso al futuro, vengo cargadita de impresiones persas.

Sí, más bien con la mochila repleta de opiniones sobre la obra dirigida por Calixto Bieito y, cómo no, del Teatro romano de Mérida, "marco incomparable" y caluroso, la verdad - y si no que se lo digan a la ola de abanicos que se veían moverse como una ola, que diría la Jurásica, antes de comenzar el espectáculo. Era mirar a los sufridos espectadores y ver abanicos, hojas, programas... moverse como un mar de colores (vengo poeta, eh?). Bueno, pues a lo que iba.

Opiniones oídas al público asistente al acabar el evento:

-Bu

-Fuera

-¿Dónde están Los persas?

- No vuelvo a comprar una entrada sin saber qué obra es

-Un bodrio

- Ves, esto es teatro de verdad. Una obra que te dice cómo es el mundo, como te lo contaban los griegos, pero adaptada a lo de hoy, para que lo entendamos mejor

- Ha sido interesante

- ¿Tomamos algo aquí o fuera?

Comentarios oídos DURANTE LA OBRA:

-Fuera

- Aupa Atleti

- ¿Cómo va el partido?

- Dime, que estoy en el teatro

- Qué bien ha cantado

-Qué bien ha estado eso

Como podréis comprobar, se repite el fuera, pero vamos, yo sólo se lo oí durante y después de la obra al mismo que al principio cantó con los actores la canción de la Legión de "soy el novio de la muerte", que el espectador se sabía entera. Mentalmente, ya vaticiné yo que acabaría o yéndose - lo que hicieron al menos 20 personas, que yo viera- o gritando ese "fuera". Vamos, que estaba claro que iba a acabar decepcionadillo el hombre.

Bieito estará contento, que le pone eso de que la gente salga de sus obras... Y si no, ya me contarás lo de estrenar una obra antimilitarista, antinacionalista y bastante desagradable, intensa, sobrecogedora y horrible -como todas las guerras- en el Festival de Mérida , pudiendo estrenarlo en el Grec. Que le va la marcha. Y yo lo aplaudo.

Pues sí, desagradable, intensa, sobrecogedora, horrible, espantosa como toda guerra. Así son las escenas que protagoniza un coro de soldados españoles en Afganistán. Un coro porque esta obra mantiene la estructura clásica griega con un coro -lo soldados-, unos protagonistas - Jerjes, la hija (Natalia Dicenta), y un padre, Darío (Roberto Quintana)- que explican sus sentimientos en monólogos, un fantasma y repeticiones de una o dos ideas claras, a modo de estribillo... Aquí los dioses aparecen como neones, banderas o Ejército. Son los que dirigen los pasos de estos seres. Pero la obra gana con la readaptación -realizada por Bieito y Pau Miró- porque podemos identificar frases y momentos de "Apocalypsis Now" y momentos musicales como "Cry, cry Baby" de Janis Joplin (cantada magistralmente por Dicenta, te pone los pelos de punta, es muy intensa). En algunos momentos, la obra parece, es, un musical. En otros, un drama terrorífico. Siempre, una denuncia sin respiro contra la guerra
y contra los nacionalismos. Porque, como se dice durante toda la obra, "La guerra nunca termina. La guerra es eterna" y "La guerra va siempre contra los niños", los que son niños, los que serán niños y los que fuimos niños.

Donnellan y su Cymbeline

2007-07-26T15:09:00.000Z

Ver a la compañía Cheek By Jowl es impresionante. Ver Shakespeare realizado por estos actores ingleses dirigidos magistralmente por Declan Donnellan emociona, sorprende y te hace "engancharte" al teatro. Prometo que después de ver esta obra no le pongo pegas a ninguna obra de 4, 5, ó 12 horas. Me apunto a ver "Homebody/Kabul", "2666" o el "Mahabaratta", de Peter Brook (si lo estuvieran representando en algún lugar) al momento. Cuando sales de esta función, quieres ver más de este teatro, del bueno, buenísimo. Con deciros que pensé comprar una entrada para hoy, mañana o pasado (sólo estarán hasta el día 28 en el Teatro Español de Madrid) nada más pisar la calle... Una pena que me reclame Mérida y Bieito con Los Persas...

Si podéis, no dejéis de acercaros a ver esta obra, de lo mejor de la temporada. La forma en la que Tom Hiddleston se desdobla en dos personajes, Póstumo y Cloten, pasando de uno a otro en un segundo y que parezca que realmente estás viendo a dos personas distintas es increíble! Los actores ingleses son otra cosa. Jodie McNee es fantástica como Imogene, pero Gwendoline Christie borda a la Reina Madrasta y Richard Cant es un gran Pisanio y Guy Flanagan un fantástico Iachimo, con su acento italiano. Hay una escena cómica con tres actores que podría estar en una serie de TV, en una película o encima del escenario y no creo que los actores tuvieran que cambiar nada. Serían igual de creíbles y de graciosos. Es impresionante. Esa forma de transmitir verdad, realidad, es lo que trabaja Donnellan con sus actores. Esto decía el director en una entrevista el año pasado con Marcos Ordóñez en El País : "En el mundo actual, donde hay tal sobredosis de imágenes, es una obligación para todo creador separar lo auténtico de lo impostado. Para eso hay que mirar de nuevo como un niño, en el sentido de que sólo un niño puede decirte sin pudor "no te creo". Cuando vamos al teatro queremos ver grandes personajes y grandes emociones, pero mueren en el mismo instante en que el actor intenta "hacerlo ver". Muchos actores entran en pánico porque tratan de "mostrar" una emoción. Es terrible, porque tienes la sensación de que te quieren persuadir de algo que, en realidad, no está pasando."

A mí me pasa muchísimo en el teatro. Ves gente que actúa. Yo no quiero ver gente que actúa encima de un escenario. Quiero ver gente que sufre, vive, piensa, se emociona realmente. Y, para que yo, espectadora, no vea que son actores y que me olvide de la posición de observadora, tengo que empatizar, reconocerme en esos personajes. Creérmelos de tal manera que no piense: "no existen, son falsos. Están actuando". Y que te pueda pasar con un Shakespeare es genial y una se siente muy agradecida por haberlo podido ver. "Peter [Brook] me ha enseñado muchas cosas del teatro (...) Pero lo más importante fue la noción del teatro como un viaje, una búsqueda espiritual. Estamos aquí para contar historias y, a través de ellas, conocernos, descubrirnos. Peter nunca es rebuscado ni pomposo. Me enseñó a huir de lo superficial, a buscar siempre hacia lo hondo pero sin perder la levedad. Es un alquimista, que combina admirablemente lo sacro y lo profano. Graduar ambas cosas es algo esencial a la hora de plantearse un espectáculo. Y entender que el teatro es un arte permanentemente inacabado", observa Declan Donnellan.

Discípulo de Brook, Donnellan desnuda prácticamente el escenario y lo llena con los actores, con sus movimientos medidos y con las luces que aparecen y desaparecen magistralmente. La adaptación es fantástica ya que el texto no se toca, es Shakespeare con su inglés antiguo, se habla de Britannia, de César Augusto, de los romanos... pero no desentona en absoluto con los trajes y la ambientación de los años 40, 50 que ha elegido el director británico.

Desgraciadamente me perdí The Changeling el año pasado, que también trajo Cheek by Jowl al Festival de Otoño. No pienso perderme nada más de lo que haga esta compañía. Y, para quien tenga oportunidad, Donnellan dirigirá Andrómeca en París en el teatro que dirige Peter Brook Théâtre des Bouffes du Nord . Ah! Y en el Festival de Otoño tendremos a Peter Brook, de nuevo, con The Grand Inquisitor, basada en Los hermanos Karamazov de Dostoyeisky, además de Fragmentos, basada en textos de Beckett. Pero del Festival de Otoño hablaremos más adelante porque no vamos a parar!!

Mahagonny, la ciudad del placer, en Madrid

2007-07-20T08:29:00.000Z

Entre ópera y musical, Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny es una oportunidad estupenda para

a) ver una obra de Bertolt Brecht y Kurt Weill y plantearse luego si descubrimos las semejanzas con nuestra propia sociedad, tan actual es

b) conocer las Naves del Español en el Matadero de Madrid, el nuevo espacio cultural de la capital

c) disfrutar de una puesta en escena brillante, con un escenario enorme que permite ver a los actores-cantantes muy, muy cercanos, al lado, obra de Mario Gas

d) disfrutar, además, de unos coros brillantísimos, más, en mi opinión, que muchos solos de los actores principales.

Si tengo que decidir entre ópera y musical, he de confesar que puedo opinar más de musicales que de ópera. Y esta obra está a medio camino entre ambos, aunque tenga momentos operísticos más brillantes que los meramente musicales. Con una música fantástica de Kurt Weill, una historia político-moral de Brecht y un montaje audiovisual muy logrado, el ritmo de la creación de la "ciudad del placer" durante la primera parte es trepidante. La voz en off de Santiago Ramos es perfecta para guiarnos por la aparición de la ciudad, la llegada de los tres delincuentes fundadores, la aparición de las prostitutas lideradas por Jenny Smith y la entrada en la ciudad de los rudos trabajadores de las minas y bosques de Alaska, entre los que se encuentra Jim Mahoney. Las peripecias de Jimmy en una ciudad donde se acumulan los placeres, pero también las
prohibiciones, se interrumpen por la llegada de un tifón que, tras arrasar la ciudad, desata una revuelta que lleva a Mahagonny a ser el paraíso de los hombres: todo se permite y se permite en exceso, tanto, que los amigos de Jimmy mueren de una comilona y en una pelea. En la borrachera final tras la juerga, Mahoney invita a beber a todos, pero no tiene dinero, y no tener pasta es lo único que no se perdona en la ciudad. Es más, pueden echarte dos noches de arresto por no ayudar a un amigo pero es pena de muerte si no pagas tus deudas. Condenado, ni una sóla persona se ofrece a pagar la deuda por él y Jimmy muere, abandonado por todos.

La escena final de manifestación de los habitantes de Mahagonny es genial. Con pancartas en las que se puede leer "Por la injusta distribución de los bienes terrenales", "Por la libertad de los ricos", "Por la corrupción", "Por la justicia", "Por la justa distribución de los bienes supraterrenales", el coro se eleva por encima de todo para dejarnos con esa ciudad en la que todos los principios inmorales son los que se reivindican.

Aunque tiene aspectos muy brillantes, reconozco que hubo momentos en los que la adaptación al castellano me chirriaba. Parecía que muchas palabras, muchas sílabas estaban encajadas en la música y, en algunos momentos, incluso me disgustaba. Pero el resultado final es muy recomendable. Imprescindible porque no hay muchas ocasiones de ver a Weill y Brecht sobre el escenario. Ojalá veamos pronto La ópera de tres centavos en escena!!

Regreso

2007-07-17T15:43:00.000Z

Perdón por esta desaparición de un mes... Oposiciones, ReS , colaboraciones y la vida, en general, me han tenido okupada.
El concierto de los Stones fue fantástico. Son muy grandes los Stones!! Esa pasarela que tienen en el espectáculo y que se introduce en mitad del público permite verlos muy cerca. Se le ven todas las arrugas a Richards y los morritos a Jagger!! Ron Wood no paró de tirar púas al público y de charlar con sus compañeros durante todo el concierto. Se reían, sonreían y había momentos en los que Wood y Richards se partían de risa juntos!
Charlie, en su sitio, tranquilo, poniendo orden. Fue el único que, al acabar el concierto, se puso una chaquetita, para no enfriarse. El único que es consciente de su edad jejejee 64 años!!! Jagger cumplirá 62 en julio, pero desde luego no los aparenta. Así como Richards está cascao, y se le nota (se pierde, casi se tropieza en la canción que canta con Ron Wood a la guitarra, y se oyó un uyyyy sin aliento entre el públic!!), Jagger no paró ni un minuto.
Momentazo fueron las llamaradas que salían del escenario -¡dando un calor infernal!- cuando empezó Sympathy for the devil. Jagger no paró de hablar en castellano, pidiendo perdón por tardar tanto en venir y animando. Muy gracioso cuando la gente cantaba Oé, oé, oé, oé... y él creía que decían Olé jejejejee

Bueno, qué más decir. Ya lo habréis leído en las crónicas. Por cierto, al saxo estuvo el gran Bobby Keys.

Al grano. Yo quería recomendaros varias cosas que no hay que perderse:

- Realidades avanzadas, de lo que ya hablamos hace unos meses . Teatro Pradillo

- Cymbeline, un Shakespeare poco conocido de la mano de una de las mejores compañías del momento, Cheeck by Jowl dirigida por Declan Donellan (la obra The Changeling que representaron en el Festival de Otoño del año pasado fue lo mejor de lo temporada, a decir de muchos críticos). Teatro Español

- Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, de Brecht y Kurt Weill. Imprescindible. Naves del Español en el Matadero de Madrid

- Porgy & Bess, ópera musical de Georges Gershwin, en los Veranos de la Villa (Conde Duque)

Menos 7!!!!

2007-06-21T14:04:00.001Z

Ya están aquí, ya llegan!! Esta vez sí!!!

Toda Raquel Meller

2007-06-21T13:37:00.000Z

Acaba este fin de semana una obra que ha recibido muy buenas críticas, incluso de los más exigentes (como mi/nuestro Borja que anda por Malta dedicado a viajar y ver mundo y que ya no se dedica a esto de la crítica, temporalmente, hasta que vuelva...). La obra en cuestión es Por los ojos de Raquel Meller, un recorrido por la vida de la artista que fue cantante, cupletista y actriz de cine. Nacida Francisca Marqués López, fue una de las artistas españolas con más éxito internacional durante los locos años veinte y treinta. Se hizo famosa con las canciones compuestas por José Padilla, El Relicario y La violetera.

De la obra que ahora acaba su temporada en la Sala Tribueñe de Madrid este fin de semana se ha dicho:
Borja F. Cabeza, en LaNetro.com: "La obra trasmite energía y encandila desde el primero hasta el último de los 20 números musicales y escenas de variedades que la componen. Hugo Pérez crea un homenaje a la diva que podía haber caído en la tentación de ser una mera sucesión de interpretaciones musicales en las que los actores se limitaran a acompañar las canciones. Pero no es así: cada una de las escenas sorprende e innova sobre la anterior, con un universo de curiosos detalles que capturaron mi atención durante toda la obra.A pesar del colorido que deslumbra en toda la función (especial mención a los innumerables cambios de vestuario, digno de cualquiera de los teatros de "primera división"), da la sensación de que estamos contemplando una sucesión de estampas en blanco y negro. Ésa es la grandeza de la obra, que entronca con el objetivo de retratar los espectáculos de la época y a una Raquel Meller calificada varias veces como "legendaria y antigua". Los mismos términos podríamos emplear para el montaje de la Sala Tribueñe, que cuenta con un final muy emotivo para los fans de la figura de la Meller (que probablemente al final del espectáculo éramos todos los asistentes a la función."

No merece que le ponga al lado de Borja (sé que me lanzará todo su agudo ingenio), pero voy a poner lo que ha dicho Ansón, (sí, Luis María, aka me-gusta-mas-una-rubia-que-una-corona-borbónica) de la obra en el periódico El Mundo:"...la sabiduría de Hugo Pérez ha montado Por los ojos de Raquel Meller, comedia musical que se hace nostalgia en las canciones de una de las artistas grandes de la copla española (...)María Ángeles Pérez Muñoz, Irina Kouberskaya y Rocío Osuna bordan las tres edades de Raquel Meller con seguridad en la escena y perfección insólita en la canciones(...) La obra deja un mensaje inconmovible: Raquel Meller fue una pionera en la defensa de los derechos y libertades de la mujer."

Javier Vallejo, en El País -Babelia, señala que "Hugo Pérez homenajea a la cantante que teatralizó el cuplé en Por los ojos de Raquel Meller una evocación poética del universo de la cupletista, encarnada por la joven artista Mª Ángeles Pérez Muñoz.” Y en el On Madrid lo consideran un "delicioso espectáculo".

Yo lo iré a ver el sábado. Ya os contaré. Si alguien se anima, el sábado y el domingo es el último fin de semana que se podrá ver en escena, por esta temporada al menos.

Propuestas para las próximas semanas...

2007-06-19T09:36:00.000Z

... y que aún no he visto:

- Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny. Musical de Bertolt Brecht y Kurt Weill, a cargo de Mario Gas, en las Naves del Matadero (Legazpi, Madrid) a partir del día 21.

-Las brujas de Salem, de Arthur Miller, Español, Madrid.

-Sacred Monsters, Festival Grec, Barcelona, sólo dos días, el 21 y el 22. ¡No os perdáis a Sylvie Guillem!

Un poco de todo

2007-06-19T09:14:00.000Z

Reconozco que he estado muy dispersa y poco centrada en actualizar este blog. Diversas actividades -culturales- me han tenido ocupada. De otro tipo, también, pero centrémonos. A saber, actividades varias que han robado tiempo y cabeza a este blog:

-The Killers, en concierto. No había que perderse a Brandon Flowers and Cia en directo. Y menos gratis invitada por mi jefa que me dio una entradita!!! Además, tocaban también los Smashing Pumpkins. Se pueden ver fotos estupendas hechas por Inthesity .

- Fiesta de fin de curso de la Escuela de Música de Buitrago de Lozoya. Lo que hace tener amigos que se apuntan a coros y hacen fiestas de fin de curso!! No me pasaba desde la academia de baile de mi hermana, años ha.

- Viajecito a Cascante, Navarra, para disfrutar de una parrillada non-stop y de una maravillosa y perfecta compañía. Gracias Pepe y Mila por vuestra hospitalidad!!

- Il Trovatore, en el Real. Con dos magníficas cantantes: la mezzo Dolora Zajick y la soprano Fiorenza Cedolins, que destacaban por encima de los demás. Y un tenor, Francisco Casanovas, aka La Bolita o La Canica, con una bonita voz pero menos pasión que un conglomerado de cemento. Mientras la Cedolins le ponía pasión al personaje, acercándose a su amado trovador, Casanovas parecía peleado con ella. Por favor, que alguien nos cuente si se llevan mal o se han peleado. En vez de "morir en sus brazos" como establece el libreto, la pobre Leonora tuvo que morir agarrada a la puerta de una celda... También me gustó Anthony Michaels-Moore haciendo de conde Luna. Creo que tiene un papel en el que hay que ser generoso porque la que se luce es la soprano, y él lo fue. De todas formas, siempre es bonito ir al Real. Y, además, nunca había visto que le tiraran flores a una cantante como ocurrió con la Zajick, muy merecidas, la verdad.

- Mujeres Soñaron Caballos. Con esta obra se ha cerrado la temporada de la Sala Francisco Nieva, aka sala pequeña, del Teatro Valle-Inclán. Afortunadamente, se reprogramará a principios de la temporada que viene, en septiembre u octubre, aunque, parece ser que ya sin Blanca Portillo que va a incorporarse al rodaje de Cuéntame para TVE.
Mujeres soñaron... es una obra sobre la violencia cotidiana, familiar... La violencia como forma de comunicación y de control, de poder y como una forma de entender la vida y las relaciones. Una violencia que se traslada a la sociedad. Impactante y con un ritmo que no deja respiro -no es de extrañar que no haya habido entradas y que la sala estuviera siempre llena hasta arriba-, la obra nos instala en una reunión familiar en la que la comunicación se basa en la agresividad, donde las lealtades y el amor se confunden, y donde todo huele a tensión.
Los personajes "pacíficos" aparecen débiles, dominados por los que utilizaban su poder físico y su certeza de saber que cuentan con el amor-lealtad de los que les quieren por encima de todo. Sin embargo, la rebelión es posible y los débiles pueden explotar en un entorno de violencia con la misma violencia. La violencia engendra violencia, una vez más.
Cotilleo: en la representación que yo vi estaban Gonzalo de Castro, el Gonzalín de Siete vidas, y Nathalie Poza, de Animalario. Flipé con la Poza. No paró de gemir, asustarse y reírse como si estuviera en un parque de atracciones. Que se cuide esa intensidad que para la vida diaria debe de ser muuuu malita. Está claro que el escenario lo lleva dentro, demasiado.

Móvil, un cierre penoso para la temporada del CDN

2007-06-06T14:29:00.000Z

Parece que el final de temporada del Centro Dramático Nacional no está siendo muy bueno. Después del horror de Splendid's, nos llega también Móvil, un aburrimiento que Sergi Belbel se ha atrevido a firmar y Miguel Narros a dirigir. Dos horas casi, dos horas, de una obra que no se cree nadie, en la que se dan dos relaciones paralelas entre madres e hijos, sin que ninguna de las dos aporte nada. Y lo que la obra tenía que aportar, se lo cargan los actores.

Sí, porque salvo Nuria González, que trata de dar vida y alma a un personaje desagradable y que, efectivamente crea un personaje -y es lo más salvable de este montaje-, María Barranco es María Barranco en todo momento; es decir, que a veces está bien pero otras veces es irritante como sólo ella puede llegar a serlo. De Marina San José, la hijísima de Ana Belén y Víctor Manuel, sólo decir que se carga
la mejor escena de la obra por su tono ñoño, sin ningún ritmo. Dan ganas de darle dos tortazos, noviolentos, claro. Y el cuarto en discordia es Raúl Prieto, que parece que se ha tomado algo porque no para de hacer bobadas y decir tonterías. Ser joven no significa hacer estupideces y saltar, dar botes continuos y gritar. Ni siquiera cuando estás traumatizado por tu relación familiar y por tu vida. Da un poco de vergüenza ajena verle, de verdad.

Si en la obra en Barcelona, dirigida por Lluís Pasqual, la puesta en escena desquiciaba por sus luces (por lo visto, hubo gente que, directamente, sacó las gafas de sol y se las colocó), en la obra dirigida por Narros el espacio se oscurece y los elementos escénicos son muy escasos: una mesa, una banqueta, una especie de banco... La imaginación está obligada a funcionar para ver coches, aeropuertos, hoteles, casas... Algo que me gustó (ya oigo los comentarios: ¡menos mal!) fue cómo los actores se alternan en sus "monomóviles" (el monólogo ha pasado a mejor vida por medio de la tecnología) estando dentro del escenario todos a la vez. Son las luces, los focos, los que muestran el protagonismo y van pasando de uno a otro en la parte final de la obra.

Me temo que el CDN ha apostado por un texto nuevo, de un autor sobradamente conocido y apreciado (Belbel es el autor de la exitosísima y muy buena El Método Grönholm), pero muy flojo. Una no sabe dónde quiere llegar Belbel, aparte de hablar de la incomunicación en nuestros días. Y, como dice Bieito, lo primero es saber qué quieres decir.

Vuelve Manu Chao!

2007-06-01T10:23:00.000Z

En septiembre saca nuevo disco. Amenizaremos la espera tratando de pillarle en alguno de los conciertos sorpresa que da especialmente en Barcelona y Madrid (el último, por lo visto, fue en Malasaña) y escuchando el single Rainin in Paradize , con denuncia política incluída. A disfrutar!

De dos en dos

2007-05-18T11:36:00.000Z

Dos obras, dos actores en cada una, dos batallas éticas: La última noche de la peste, de Juan Diego Botto, y Madrugada de cobardes, de José Cabanach. En ambas, dos personajes contrapuestos oponen su distinta forma de ver el mundo.

La primera, en la Sala Mirador, es un duelo entre autores que deben adaptar la obra de Albert Camus Estado de Sitio (segunda versión de La Peste). Los actores, Raúl Arévalo y Manuel Solo, dan vida, respectivamente, a un autor comprometido fracasado y a un dramaturgo de éxito esteticista, de los que les gustan los finales abiertos, metafóricos. La adaptación de esta obra les llevará a plantearse su forma de entender el teatro y la vida. En medio de sus discusiones, Botto intercala pequeños sketchs que reflejan lo que significa esa "Peste" que tratan de adaptar: la dictadura, la tortura, la humillación, la venganza, la degradación del ser humano, en suma. Pero me temo que el enlace entre ambas partes es escaso. No, seamos claros, es nulo. No se entiende por qué se pasa de un momento a otro ni qué sentido tienen en la obra. Los actores están bien pero sus caracteres son demasiado tópicos, demasiado típicos, sin llegar a revelar una verdad profunda, sin convertirse en arquetipos. Un amigo con el que iba comentó que parecía un ejercicio de fin de curso de los actores y creo que es la definición más correcta de la obra.

La segunda, en el Teatro Fígaro, es Madrugada de cobardes. Juan Carlos Naya es un ladrón que penetra en la cámara acorazada de un banco, repleta de cajas de seguridad con muchos secretos. Ángel Solo es el segurata que le pilla in fraganti. Entre los dos se inicia un duelo de poder, de control, un juego psicológico con muchos giros y muchos altibajos. Pese a que el texto está muy trabajado y es destacable, no así la dirección de escena, también debida a Cabanach. Se echa en falta una mayor contención y dirección de los actores. Supongo que Cabanach no se atrevió a lidiar con Juan Carlos Naya, que se deja llevar por un tono demasiado marcado y condescendiente y una gesticulación innecesaria. Ángel Solo no acaba de cuajar su personaje. Una pena porque da mucho juego y comienza con mucha fuerza. Algunos excesos del final (por qué subirse a la mesa???) despistan bastante. Pese a todo, la química entre ellos está lograda.

En la obra, estos dos liantes se juegan la vida mintiéndose el uno al otro. La moral de la sociedad, los secretos, el poder, los intereses... aparecen en el escenario para hacer que nos preguntemos sobre el mundo en el que vivimos, lo que toleramos, de lo que somos cómplices. Verdades y mentiras se suceden manteniendo la atención durante hora y media, con momentos destacables, sobe todo el final, que da que pensar.

Claroscuros del fin de semana

2007-05-08T13:59:00.000Z

Fin de semana variopinto. El sábado fui a ver Splendid's en el Teatro Valle-Inclán del CDN. Un horror. Encomiable el trabajo de los actores, que se dejan la piel (a mí me gustaron Helio Pedregal y Antonio Zabalburu, pero reconozco que todos se meten en sus papeles, muy difíciles), se arrastran y se implican, pero es que a mí, el texto, no me llega. A mí y a mucha gente porque el aforo éramos unas 30 personas perdidas en la oscuridad del teatro (a diferencia de su vecina Mujeres soñaron caballos que, por lo visto, llena todos los días en la Sala Pequeña del Valle-Inclán). Esperaba más de un montaje de José Carlos Plaza, pero nada que hacer, oye.

Debe de ser un problema mío con Genet porque Querelle, en versión película de Fassbinder tampoco me gusta. Me parece, eso sí, una película que hay que ver porque contiene referentes culturales y estéticos muy importantes en el siglo XX y que pertenecen al imaginario colectivo. Pero los sentimientos se me quedan lejos. No me implico.

Todo lo contrario de lo que me ocurrió con Despertares y celebraciones, que se representaba un par de calles más allá, pero también en Lavapiés, en la Sala Mirador (ahora pomposamente llamado Centro de Nuevos Creadores) y a donde acudí el domingo. Primero una queja y después el comentario.

La queja: si la obra empieza a las 7 ¿por qué entramos a las 7.15 y la obra no empezó hasta las 7.30? Es una cosa que pasa siempre en esta sala y es una falta de respeto al espectador, la verdad.

El comentario: al encenderse las luces, la chica que estaba a mi lado no pudo aplaudir. Estaba llorando inconsolablemente. Y no me extraña. A mí los escalofríos me recorrieron durante toda la obra y no sólo durante las escenas de tortura (muy bien representados porque, aunque la tortura física se cuenta y se aprecia, es la tortura psicológica la que te traspasa). La discusión entre dos mujeres de la alta burguesía argentina metidas en una fiesta en la que se fragua y se espera el golpe militar del 76 es espeluznante. La lucha entre la implicación y pasarse al bando de los golpistas apoyados por la rica clase social es contínua en toda la obra. Al igual que está muy presente el miedo.

Debo reconocer que no sabía qué esperar de una obra escrita por Juan Diego Botto pero, después de este montaje, me apetece ver la nueva obra que se estrena la semana que viene en la misma sala: La última noche de la peste. Si trata el mundo de los artistas y dramaturgos como ha hecho con la dictadura argentina, merece la pena acudir a verla. Y merecería también que se mantuviera Despertares y celebraciones, con una Marta Etura y una Maru Valdivieso fantásticas.

El gran Mel Brooks y su magnífico Los Productores...

2007-04-27T11:52:00.000Z

...han dicho adiós después de seis años en Broadway. También aquí, en Madrid, donde se representa protagonizada por Santiago Segura y José Mota, el mes de mayo verá el final de las representaciones.

Mel Brooks total, Mel Brooks a lo grande…el mejor Mel Brooks, el de las bromas sutiles, el que se ríe del mundo que mejor conoce -el del espectáculo- es el que nos ofrece Los Productores. Un espectáculo muy Broadway en pleno corazón de Madrid para no parar de disfrutar.

“Hazlo gay! Hazlo gay! Hazlo gay!”… La famosa canción Keep it gay!, en su versión en castellano, no te abandona al salir del teatro Coliseum. Ni tampoco la sonrisa que se instala desde el principio (con ese cartel de la versión de Hamlet made in Max Bialystok: “Menudo Cachondo”) y que se convierte en carcajada en grandes momentos del show.

La historia es bien conocida. El peor productor de Broadway y un contable cuyo sueño es entrar en el mundo del espectáculo deciden forrarse haciendo el peor musical que ha existido, el mayor fracaso de la historia de los musicales. “Primavera para Hitler” tiene todas las papeletas para echar del teatro a todos los espectadores, con un autor nazi, unas “locas” como director y ayudante (¡magníficos Miguel del Arco como Roger de Bris y Ángel Ruíz como Carmen!), una esvástica gigante al mejor estilo Zigfield Follies y unas vedettes con trajes horrible (una lleva una salchicha gigante en la cabeza!).

Las peripecias de Max Bialystock y Leo Bloom para arruinarse son hilarantes y, sobre todo, son Broadway. Este musical no tiene nada que envidiar a los montajes de Nueva York o Londres. Los decorados son espectaculares y yo, en el momento en que vi a José Mota bailando claqué como en un musical de Gene Kelly, me dejé llevar y me abandonaron todas las reservas. Mota está genial en su personaje. Sobre Santiago Segura diré que está muy bien, aunque algún deje muy suyo se le escapa y sobre Ulla hay que señalar que Dulcinea
Juárez tiene una voz prodigiosa (como ya demostraba en El Mikado, otro gran musical) y está perfecta como sueca explosiva.

Al día siguiente me pasé todo el día con las canciones en la cabeza y viendo en youtube las sesiones de grabación del musical original con un gran, gran Gary Beach en el papel del director del "engendro", Roger de Bris.

Al salir, no pude dejar de preguntarme por qué el teatro estaba medio vacío y por qué este magnífico musical se cae de la cartelera teatral cuando la gente llena “Hoy no me puedo levantar” o “Mamma Mía!”. Una de las causas, probablemente, es que la gente va a los musicales a oír las canciones que se sabe, que forman parte de su memoria cultural… En Inglaterra o EEUU las canciones de Los Productores forman parte de la tradición musical viva. Aquí no. Y es una lástima porque el “Hazlo gay!” merece ser cantada, recordada y comentada!

En fin. Supongo que el año que viene veremos llenos los teatros con el musical que se prepara del Dúo Dinámico o de Dirty Dancing. Pero ya veremos con Jesucristo Superstar (aunque con las fervientes masas católicas que hay por aquí, igual hasta tiene éxito). Imagino que lo que va a ser difícil es ver por estos lares el próximo musical de Mel Brooks que se estrenará en Broadway el año que viene: El jovencito Frankenstein. ¡Qué lástima! porque no creo que los productores quieran ya traer grandes musicales de calidad aquí! Son una ruina. Mejor aprender la lección de Bialystock y Bloom: trae un mal musical que te forrarás!

G-5: Hay que ir a la freiduría

2007-04-25T09:18:00.000Z

G-5 es la nueva banda que han formado Kiko Veneno, Muchachito, Tomasito y dos Delinqüentes: Marcos del Ojo Barroso (Canijo) y Diego Pozo Torregrosa (Ratón). Les gusta llamarlo “grupo fantasma”. Su nuevo disco se llama "Tucaratupapi" y su single es "El vino", una canción fresca y muy divertida. El estribillo dice:

"Hay que ir a la freiduría
Lo demás son tonterías
Se mojó el papel
Y no se puede leer
Llena la copa otra vez"

Si os metéis en la página podéis escucharlo . Hala! Feliz primavera

Harold Pinter nos propone hablar de Traición

2007-04-23T16:02:00.000Z

¿Qué queda de una relación adúltera de siete años dos años después de terminar? Eso lo sabemos en la primera escena de Traición, la obra que el Nobel Harold Pinter dedicó a hablar de un amor adúltero del que nadie sale indemne.

Con una original estructura que hace que vayamos asistiendo al desarrollo de la historia hacia atrás, es decir, empezando por el final y pasando por nueve escenas que nos conducen al principio de la relación, recorremos casi una década de amor y traición (desde 1977 a 1968) entre Emma y Jerry, una pareja de amantes en medio de los que se encuentra Robert, marido de Emma y amigo íntimo de Jerry, y también Judith, la esposa de Jerry (un personaje que nunca vemos en escena).

Hace dos años que Emma y Jerry rompieron su romance. Su pasión ha muerto y los silencios recorren la primera escena. Los silencios de las obras de Pinter son legendarios y el montaje de Guindalera Escena Abierta, en Madrid, los utiliza eficazmente para mostrarnos la degradación de las relaciones. A medida que avanzamos atrás en el tiempo, los silencios son menores, los personajes tenían más que decirse y más que compartir. Poco a poco y hacia atrás, vamos descubriendo cómo se llega a esa situación, qué traiciones ha generado y puesto al descubierto esa relación: la traición al amigo y marido, la traición a la verdad, a los ideales de juventud, a las promesas de amor, a la honestidad…

Basándose en parte en sus propias experiencias (Pinter vivió un romance de siete años con la periodista Joan Bakewell mientras ambos estaban casados), el escritor construye un magnífico texto, en apariencia sencillo pero que esconde una gran complejidad. Desgraciadamente, queda la sensación de que el texto de Pinter no está explotado en sus máximas posibilidades en esta ocasión. La traición de los personajes no es sólo entre ellos sino también a sí mismos, lo que se echa de menos en el montaje dirigido por Juan Pastor.

Las sutilezas son básicas en esta obra y se agradece que la química entre María Pastor (Emma) y Raúl Fernández (Jerry) permita observarlas. El papel de Alex Tormo (Robert) cae en una cierta exageración, aunque tiene momentos muy intensos mejor resueltos en las escenas con su mujer que con el amigo.

El tono frívolo e irónico de estos intelectuales (Emma dirige una galería de arte, Jerry es agente literario y Robert editor de libros) provoca situaciones de humor traspasadas por una honda tristeza. Pero esa amargura sólo podemos intuirla ya que la distancia irónica adoptada por los personajes pesa sobre los matices de dolor o pesar. En cambio, se quedan en la memoria los momentos que transmiten el amor profundo que se profesan estos seres abocados a traicionar y traicionarse llevados por el deseo y el cariño.

Para los fans de Las heridas del viento: el texto

2007-04-17T09:23:00.000Z

Ayer volví a ver Las heridas del viento. De verdad, si estáis en Madrid, acercaos a verla a la Sala Triángulo. Es magnífica. Marcos Casanova es un actor maravilloso, el texto es increíble y la dirección muy buena. Es la segunda vez que la veo y no me canso. 12 € por ver una de las mejores obras de teatro de la temporada, es un buen trato.

A la salida pude hablar con Juan Carlos Rubio, el autor, para felicitarle. Le pregunté por el texto y me dijo que estaba colgado en internet. Ahí lo tenéis, para disfrutarlo. Sé que hay mucha gente a la que le encantará leerlo y recordar la obra.

Si no la habéis visto, ¡¡¡corred!!!, que sólo estarán hasta el día 25.

¿Pasando miedo? La mujer de negro

2007-04-13T09:22:00.000Z

(Hoy estoy que lo tiro. Tercer post del día. Se ve que tengo mono de escribir!)

¡Qué difícil es hacer pasar miedo en el teatro! Ésta es la sensación que me queda tras ver La mujer de negro, con un grandísimo Emilio Gutiérrez Caba, eso sí.

A ver. Yo no pasé miedo. De hecho me reí bastante con los efectos hechos para que la gente se asustara (que se asustó y, además y por desgracia, gritó). El amigo con el que fui, que no sabía nada de la obra, sí quedó sorprendido y algún susto se llevó.

Dicho esto, si tienes intención de ir a ver la obra, no sigas leyendo. ¡PELIGRO! ZONA DE SPOILERS.

La obra está ambientada a principios de siglo en Inglaterra. Un hombre (Emilio Gutiérrez Caba) decide tratar de eliminar la maldición con la que vive haciéndola pública ante su familia y amigos. Para ello, contrata a un actor (Jorge de Juan) para que le ayude a escenificarlo. Hasta aquí, bien. El problema es que la obra es demasiado narrativa. Jorge de Juan habla demasiado. Creo que algunos silencios y menos apariciones fantasmagóricas podrían haberse sustituido por algo más de terror psicológico. Lo que da más miedo es lo que nos imaginamos, lo que no vemos. Y, además, creo que esta obra hubiera ganado bastante con menos palabras y más sensaciones y gestos.

Gestos de terror fantásticos los que muestran los múltiples personajes que interpreta Emilio Gutiérrez Caba. Sus tonos de voz, sus movimientos, su presencia en el escenario según el rol que encarna en cada momento hacen que estés deseando que salga a escena. Se le echa de menos cuando no está. De hecho, sus personajes son los que transmiten el miedo que tiene la gente que vive alrededor de la casa maldita. Sostiene la obra sobre su magnífica actuación, que se lastra un poco por algunos excesos, sobre todo verbales, de Jorge de Juan.

Con una escenografía excesivamente clásica en algunas ocasiones, sobre todo al final, pero muy adecuada para ambientar, al principio, un viejo teatro, la obra es un entretenimiento ligero, sin muchas pretensiones. Pero, bueno, algo tendrá, ya que se lleva representando “17 años lleva en el West End londinense, 9 años en México y más de cinco millones de espectadores la han visto en todo el mundo”, según el dossier de prensa.

Aviso a los que tengan intención de ir a ver la obra. El teatro Infanta Isabel de Madrid es un teatro viejo e incómodo (bien elegido para ambientar la obra, la verdad), pero en la parte de arriba se ve muy mal. Las butacas están pidiendo a gritos una nivelación más adecuada. Y, por cierto, se escuchan ruidos de fuera (ambulancias, pitidos)… y en la función que yo fui, también de dentro: móviles que suenan, gente que habla… Lo peor de la humanidad, es la humanidad. Pero esto merece otro post…

Bieito (y III): Una anécdota y una impresión

2007-04-13T08:55:00.000Z

La anécdota

Creo que es muy explicativa de la forma de trabajar de Bieito su anécdota sobre su monaje de Il Trovatore, de Verdi, estrenada en Alemania.
El director cuenta que rechazó dos veces la obra porque no la entendía. Se trata de una obra sobre el odio familiar, complicada, escabrosa… Bieito, por ejemplo, no entendía quién mata al niño porque no aparece muy claro… Pero, cuando se la ofrecieron por tercera vez, pensó que era por algo y aceptó.
Se documentó intensamente, leyó mucho la biografía de Verdi y descubrió que compuso esta obra después de morir su madre. Era tal su dolor, que aullaba en el patio de la casa que compartía con su amante. Y canalizó ese dolor con esta obra. “Yo hice una obra durísima, muy oscura”, reconoció.

Al ser estrenada, una mujer vino llorando a decirme que había destrozado a Verdi, que había aniquilado todo lo sentimental que hay en Verdi. “Le dije que leyera la biografía de Verdi”. Tiempo después le llegó una carta, que luego supo que era esta mujer, en la que le decía que había leído la biografía de Verdi y que entendía su adaptación, pero que aún así, ella había sufrido tanto en la guerra y después, que prefería que la engañaran y que Verdi siguiera siendo para ella el compositor del amor y de obras sentimentales.

Dolido
Aunque dijo sentirse “muy a gusto” en la charla e hizo bromas sobre los pitidos que se escucharon en el Teatro Real con su ópera Wozzeck, se mostró dolido al recordar que le gritaron “vete a tu pueblo” también en ese espacio con esta ópera. En ese momento, cambió el tono relajado por un tono serio y señaló que él acepta que sus obras puedan gustar o no pero que no se puede despreciar su trabajo, respaldado por una sólida formación y una experiencia demostrada, con ese tipo de comentarios. Ante esto, indicó que “no es nacionalista” y afirmó que se siente “nacido en Burgos, de raíces célticas y en mi casa hablamos catalán”.En un tono ya más relajado consideró que “el teatro y la ópera son muy humanos, y a los humanos nos cuesta aceptar los cambios”. Y, finalmente, contó una anécdota sobre su montaje de La verbena de la Paloma. Explicó que, igual que hace con todos sus proyectos, se documentó extensamente y vino a Madrid a conocer a la gente que siente y vive la verbena, las calles, la tradición… Con todo ello, montó la pieza. Sin embargo, no se ha visto en Madrid porque los programadores no se atrevieron a traerla: “nos queman el teatro”, fue la explicación.

Bieito (II): Mátrix tiene muchas cosas de La vida es sueño

2007-04-13T08:45:00.000Z

¿Qué es un clásico?

“Es un regalo de la humanidad que nos hacemos los unos a los otros. Y con un regalo puedes hacer lo que quieras...”. Bieito señaló además que “un clásico es una obra antigua que tiene capacidad de conmover cuando uno la lee ahora, de explicarnos algo de nosotros mismos, con la que nos podemos identificar. Una obra antigua que tiene capacidad de estimular la imaginación”. Para el director de Plataforma, ya que “la idea que cada uno de nosotros tiene de una obra clásica es distinta”, todos los clásicos “están revisados en mayor o menor medida” puesto que “estamos reinterpretando desde los griegos”. Por eso, intenta entender la esencia de la pieza y volar con la imaginación y la libertad para entender bien cuál es la esencia de un clásico.
“Un clásico tiene la capacidad visionaria, que te habla del futuro, de lo que puede venir en el futuro”, observó.

Teatro del futuro

Al preguntarle sobre cuál cree que será el futuro del teatro, consideró que “tiene que haber más experimento”. Señaló que le gustaría que “la ópera fuera de todos, que no es cierto” y que le encantaría ver a la Fura dels Baus en el Centro Dramático Nacional.
En una reflexión sobre la situación del teatro español en el mundo, indicó que le gustaría que hubiera “un teatro de vanguardia muy fuerte, que el teatro de este país fuera referente del teatro de vanguardia pq tiene los autores para hacerlo”, ya que nuestro clásicos están a una gran altura pero no se conocen tanto como debieran cuando tienen mucho que aportar. “Mátrix tiene muchas cosas de La vida es sueño”, apostilló.

¿Qué es “vanguardia”?
Otra de las preguntas giró en torno a la “vanguardia” que consideró que se produce cuando ves algo “especial”, algo que te deja sin saber qué va a pasar, que te va a sorprender Y ese “algo”, a veces es malo y a veces es fantástico. Se mostró partidario de “menear las cosas y ver qué pasa. Como Adriá, deconstruir” y afirmó que “me gusta ver los espectáculos llenos de ideas porque tengo horror vacui”.

Sobre el arte, Bieito considera que “no cambia la vida de las sociedades, pero sí ha cambiado mi vida. Creo que puede cambiar la vida de muchas personas”. También habló de la belleza ante una pregunta de Juan Mayorga. Consideró que es un “concepto que cambia con las generaciones. Desgraciadamente, hay belleza en un edificio bombardeado: tiene un caos hermoso porque pertenece a la brutalidad del hombre.”

Al fin, Bieito (I)

2007-04-11T10:38:00.000Z

Fatal.Hace más de una semana que quiero escribir este post y sé que algunos lo están esperando. Por fin, ahí va, en varias entregas. Y es que no todos los días se tiene la suerte de escuchar a uno de los grandes directores de teatro y ópera del momento dar una charla sobre su trabajo.

Calixto Bieito es uno de los grandes directores actuales. Es reclamado tanto que afirma que pasa 10 meses al año trabajando fuera de Barcelona, donde vive. Tan conocido es, que un colega, hablando de la ópera El holandés errante dirigida por Alex Rigola y estrenada en el Liceu de Barcelona en estos días, comentaba sobre una escena que está hecha “a lo Bieito” y ha dejado escrito que es una escena “bieitiana”. El próximo proyecto suyo que veremos será en el Festival de Teatro de Mérida donde montará la obra de teatro más antigua que se conserva: Los persas, de Esquilo.

Pese a que se le considera un provocador (son legendarias las divisiones que despierta en el público, con pitidos, abucheos, salidas del teatro por un lado y bravos, entusiasmo, gente en pie, por otro), él lo niega y afirma que “irritar o estimular a alguien para que se enoje, no es mi intención. Para mí "provocar" es generar una emoción, una sensación, como lo que me pasa a mí cuando veo un cuadro de Munch u oigo a un pianista y me hace llorar. Quiero provocar una emoción y una reflexión”. Como ejemplo, su obra de teatro, Plataforma, en la que durante toda la obra se ve porno pero, como señala el director, “a los tres minutos el público se ha olvidado del porno” porque te has metido en la obra, en lo que dicen y sienten los personajes.

“Tengo la furia más contenida. Me hago otras preguntas”, señaló Bieito, en una sala abarrotada, con la primera fila reservada para el consejero de cultura de la Comunidad de Madrid y sus acólitos, mientras “la plebe”, o sea, el pueblo, nos sentábamos en el suelo –vi como una de prensa de la Consejería hacía levantarse a un chico de un asiento reservado para que se sentara un encorbatado vete-a-saber-qué-cargo-a-dedo-o-familiar-de se sentara-. Juan Mayorga presentó al personaje: “Bieito bien podría ser ese chico malo de la clase que esconde una revista porno en el pupitre, pero que, dentro de la revista, esconde un libro”. A lo que Bieito matiza que “hay que procurar que ese libro, además, sea bueno”.

Para Mayorga, Bieito es un “conservador” porque conserva en las obras lo que del pasado merece conservarse, penetrándolo de actualidad y ganando autores para nuestro tiempo. Así pues, cree que Bieito es un “conservador enmascarado” o un “conservador heterodoxo”.

Bieito comenzó contando un poco de su trayectoria, empezando por el principio, su nacimiento en Miranda de Ebro (Burgos) y su educación con los jesuitas en Barcelona, donde, aseguró, empezó su vocación artística, concretamente en el coro y haciendo funciones en un teatro “más grande que el que yo dirijo ahora (el Teatre Romea de Barcelona”.
Afirmando que “uno tiene que ir muy lejos para volver”, recordó su trayectoria en Milán, Estocolmo y París. En Estocolmo, asistió a clases con Ingmarg Bergman, ya “muy viejito, que hablaba muy bajito, no se le oía nada, pero veías que le hacía mucha ilusión. Aprendí ilusión, que te tiene que hacer mucha ilusión este trabajo.”

En París, coincidió con Sam Mendes estudiando con Peter Brook y Grotowsky, “que tenían la idea de que el teatro es un templo", idea que no comparte ya que cree "que no hay que ir al teatro con fé, sino que hay que ir al teatro a ver qué recibes.”

Aunque durante diez años dirigió obras sin parar y aprendió el mecanismo de una obra clásica, confiesa que no se sintió directora hasta que montó La casa de Bernarda Alba en Milán.

Añadió que no se siente “para nada un creador. Me siento director de ópera y de teatro. No soy un crítico. Tengo una idea y la quiero compartir. Me pone de los nervios la palabra creado”, me recuerda a los jesuitas.”

Sobre su proceso de creación, señaló que establece un diálogo muy general pero al tiempo muy personal con las obras: “pienso primero qué les puede decir esta obra a las personas que quiero y luego al espectador”, aunque observó que sólo piensa en el público “10 minutos antes del estreno” y que “quiero convencer a los espectadores para que les guste lo que me gusta a mí, para que quieran lo que quiero yo”.

Explicó que comparte libertad con su equipo, especialmente con los actores y cantantes, que intenta “compartir mi libertad con la libertad de los otros”, y considera que “como en las buenas relaciones de amor, nunca digo que no, siempre digo que sí. Si sabes lo que quieres, no hace falta decir que no, basta con que digas lo que quieres. Si no lo sabes, es mejor callarse, pero nunca decir que no.” Destacó que el trabajo de un director se basa en el ritmo y en generar un clima de trabajo en el que primen la libertad y la ilusión, pero también la disciplina. En teatro, indicó, “el ensayo es sagrado”.

Para Bieito, “el director tiene la obligación de saber qué mundo está explicando: si es gris, si es rojo, si es rosa...” y advirtió que el mayor peligro es el miedo, “miedo a hacer el ridículo”. Es el no tener miedo lo que da “mucha fuerza”.

Obra recomendada: Las heridas del viento

2007-04-10T09:12:00.000Z

Vi esta obra el año pasado cuando estuvo una escasísima semana en la Sala Triángulo de Madrid. Me quedé muy impresionada. El texto de Juan Carlos Rubio es muy bueno: habla de sentimientos, del paso del tiempo, de los recuerdos, del mundo que creamos, de la familia, de lo que es y lo que parece ser... Toca muchos temas de una manera sencilla pero directa, con unos diálogos brillantes, ágiles, rápidos, llenos de juego.

A que la obra tenga esta enorme calidad ayudan, por supuesto, dos grandes actores: Marcos Casanova y Humberto Rossendfeld que conocen muy bien a sus personajes (un hijo que acaba de descubrir unas cartas de amor de otro hombre entre las cosas de su padre muerto y el supuesto amante de éste último) que se encuentran por casualidad gracias al amor. La sencilla escenografía y la destacada dirección de Juan Manuel Cifuentes hacen que una salga del teatro deseando volver a verla para que no se escape ninguna de las magistrales frases que se oyen durante la hora y 20 minutos de duración.

El argumento es sencillo: la muerte de su padre obliga a David a hacerse cargo de su cosas. Entre sus pertenencias encuentra algo inesperado: cartas de amor de otro hombre. Desconcertado por el descubrimiento, decide visitar al supuesto amante de su progenitor y descubrir quién era su padre en realidad.

Estrenada con gran éxito de crítica y público en el Teatro 8 de Miami en enero de 2005, pasó a Nueva York, en marzo de ese mismo año (78 street Lab, en el llamdo Off Broadway) invitada por el Retablo Hispanic Theater. La Asociación de críticos del espectáculo de Nueva York (ACE) la nominó para cinco premios (Mejor actor visitante: Marcos Casanova, Mejor actor visitante: Humberto Rossenfeld, Mejor director invitado: Juan Manuel Sánchez Cifuentes, mejor escenografía: Juan Manuel Sánchez Cifuentes, mejor producción de drama) consiguiendo Marcos Casanova el galardón como mejor Actor visitante.

Las heridas del viento es la tercera obra del actor y autor cordobés Juan Carlos Rubio. Aunque empezó escribiendo guiones de series de televisión (le "debemos" algunos capítulos de Farmacia de guardia, Al salir de clase o Pepa y Pepe) al tiempo que participa en ellas como actor, es por sus obras de teatro por lo que más se le conoce en los últimos tiempos. Su primera obra se estrenó en 1997 -Esta noche no estoy para nadie. Por cierto, si alguien sabe de qué va, que nos lo cuente, no he conseguido encontrar el argumento en ningún sitio- y, desde entonces, no ha parado. Le siguieron Las heridas del viento, Tres, El bosque es mío, 10...

Dos obras de este autor coinciden así en la cartelera madrileña: Humo, en el Teatro Maravillas, y Las heridas del viento, en la Sala Triángulo. Sin dejar de valorar la primera (con una gran Kiti Mánver y un siempre eficaz Juan Luis Galiardo), la segunda se hace imprescindible para los amantes del buen teatro, que tendrán que apresurarse porque sólo estará nueve días en cartelera (lunes, martes y miércoles hasta el 25 de abril). Una lástima porque obras como ésta merecen ser escuchadas, vistas y atendidas más de una vez.

¿Días de gloria?

2007-04-04T10:24:00.000Z

Creo que los franceses son los que mejor hacen películas de guerra antibélicas. Una sale del cine habiendo olido las trincheras, habiendo sufrido, sabiendo qué es pasar frío y tener las botas agujereadas y cómo se reniega de la esencia humana cuando matas a otra persona. Ahí están La vida y nada más y Capitán Conan para demostrarlo.

En Days of glory, una vez más, los franceses nos muestran las miserias de la Segunda Guerra Mundial. Aquí con los ojos de los soldados argelinos y marroquíes, pero también sudafricanos, que lucharon por "la madre patria" (¡qué ironía!) contra los alemanes. Una "madre patria" que nunca habían pisado, que no conocían, que no los quería y que los mandaba a la vanguardia de las batallas más peligrosas. En la película se reflejan muy bien los motivos de estos soldados (en la mayoría económicos, por salir de la miseria) para ir a una guerra, embarcados por la nación colonialista. La xenofobia, el racismo y la marginación se ceban con estos soldados que tratan de sobrevivir con amistad y dignidad.

El estreno de esta película entronca con la ley que acaba de aprobar el gobierno francés sobre las pensiones de estos soldados que lucharon contra los nazis. En 1959, cuando la mayoría de estos países consiguieron la independencia, Francia les retiró los subsidios. Durante años las han reclamado y, casi 50 años más tarde, parece que, los que hayan sobrevivido, las cobrarán, aunque no retroactivamente.

Recuerdo otras grandes películas de guerra que nos trasladan al frente de batalla y que consiguen hacernos más antimilitaristas: Senderos de Gloria, No man's land, Enemigo a las puertas, Apocalypse Now, La delgada línea roja, Johnny cogió su fusil... ¿Ampliamos la lista?

Dos mitos de la danza en el Real

2007-04-03T14:19:00.000Z

Si alguien ha tenido la suerte de ver a Sylvie Guillem y a Russell Maliphant en Push, espectáculo que durante cuatro días se ha podido ver en el Real, coincidirá conmigo en que hemos visto lo mejor de la danza contemporánea actual. Las figuras que componen los dos bailarines son de una fluidez y un movimiento espectaculares y una no puede dejar de mirar el musculoso cuerpo de Sylvie Guillem, las más largas piernas de la danza, con permiso de Lucía Lacarra.

Si la danza contemporánea es energía, la coreografía ideada por Maliphant es la fórmula matemática que la explica: las posturas que adaptan los bailarines -con Guillem en el aire, dejándose caer en caída libre- denotan una comunicación entre ambos como si de una conversación entre dos cuerpos se tratara. El movimiento que fluye entre ambos parece sencillo, parece hecho sin esfuerzo, como si sus cuerpos estuvieran destinados a esas formas imposibles. Torsiones de caderas, de rodillas, combinaciones mágicas que ponen en funcionamiento cada uno de los músculos de los cuerpos de los magníficos bailarines, especialmente de Sylvie Guillem, cuyo cuerpo, genialmente iluminado por Michael Hulls, es un auténtico instrumento de precisión para el ballet.

Perfectas composiciones escultóricas en un equilibrio mágico con un especial sentido del ritmo y de la forma, es lo que crea el Maliphant, al servicio siempre de Guillem. Impulso, energía y acrobacia son manejadas con una falsa sencillez por este prodigioso creador.

Cuando una ve este ballet, está claro que está viendo danza contemporánea pero, a la vez, está muy patente toda la danza clásica de la que emana, sin cuya técnica esta belleza perfecta, este fluir sin que se note, no sería posible. Pero en esta coreografía de Maliphant, movimientos procedentes de técnicas orientales (tai chi, yoga, artes marciales...) se combinan perfectamente con las formas clásicas de ballet (esto

es bien patente en la coreografía Shift que baila "aparentemente" solo, ya que es acompañado brillantemente por las sombras). La experiencia gimnástica de Sylvie Guillem se aprecia en su físico que le permite hacer lo que quiere con su cuerpo, al servicio de esta hermosa coreografía (sus 42 años en esta forma ya los querrían algunos bailarines de 20).

Ambos destacaron, en la rueda de prensa, la importancia de la danza clásica como base para su trabajo personal. En el caso de la bailarina francesa es especialmente importante, ya que fue bailarina "étoile" (estrella) del Ballet de la Ópera de París a las órdenes de Rudolf Nureyev. Ha bailado, además, obras de Bejart, Balanchine, Forsythe, aparte de todo el repertorio clásico, habiendo sido estrella invitada del Royal Ballet. "Contar con una formación clásica te permite salir y volver a ella cuando lo necesitas", considera la artista, reconociendo que éste ha sido un "bagaje esencial" en su carrera y no lo ha dejado del todo. Para Maliphant, la formación clásica "es un entrenamiento fantástico que permite tener una articulación importante".

Las obras de este canadiense de 46 años fueron durante un tiempo para pocos espectadores. Sólo algunos afortunados habían visto sus coreografías realizadas por grupos eventuales de bailarines en teatros alternativos, que convirtieron sus piezas en uno de los secretos mejor guardados del mundo de la danza, como dice el dossier del Teatro Real.

Ahora, ese secreto está al alcance de muchos más. Esperemos que pronto vuelvan para que sigan compartiendo con nosotros todo su talento.

La vida de los otros

2007-03-28T12:23:00.000Z

Hace ya algunas semanas que ví esta magnifica película, ópera prima, de Florian Henckel Von Donnersmarck, que ganó muy merecidamente el Óscar a la mejor película extranjera. Si el mundo fuera justo y los Óscars unos premios universales, Ulrich Mühe y Sebastian Koch se habría llevado los premios a mejor actor de este año. No sé qué tal estará Forest Whitaker en “El último rey de Escocia”, pero lo que hace Ulrich Mühe en esta película es im-pre-sio-nan-te. Y Sebastian Koch no le va a la zaga en talento, acompañados de una no menos fantástica Martina Gedeck.

Se quedan en la memoria fotogramas de esta película, rodados de una forma muy clásica, sencilla en apariencia, sin grandes estridencias. Como en el gran cine de siempre, lo más importante es la historia, lo que se está contando. El cine es el vehículo con el que se narra y, como en las grandes obras, lo mejor de la técnica es que no se note, que no sientas que está ahí, que sea la historia lo que te lleve…

Así ocurre en esta película que, sin embargo, tiene algunos momentos de guión no tan redondos y de los que se podría prescindir (el momento niño, un poco simple para contraponer pureza-maldad) o que podrían estar más marcados (hasta el final no sabemos cuánto tiempo ha estado el capitán de la Stasi Gerd Wiesler espiando a la pareja formada por el prestigioso dramaturgo y escritor Georg Dreyman y la popular actriz Christa-Maria Sieland, por lo que se hace un poco difícil entender una tan “rápida” identificación entre los principios del militar y el intelectual… El tiempo se contrae por imperativo cinematográfico de duración y eso que la peli dura más de dos horas, que se pasan volando).

Son unos “peros” un poco puntillosos, lo reconozco, porque la película es una obra de precisión, en la que los silencios y los diálogos son perfectos, los justos, encuadrados en una planificación cinematográfica (con planos muy clásicos) y una fotografía –gris en los exteriores, más cálida en el apartamento- muy adecuada para situarnos en la República Democrática Alemana de los años 80 y comprobar cómo funcionaba su servicio de espionaje, la Stasi.

Es una de las mejores películas que he visto en mucho tiempo y se la recomiendo a todo el mundo. La lealtad, la amistad, la traición, el amor, el miedo, el valor… se transponen y se redefinen a lo largo de la película. ¿Quién es “leal”?¿Qué es ser “leal”? ¿A quién o a qué? ¿Qué significa “traición”? Si nos traicionamos a nosotros mismos, ¿es lo mismo hacerlo por convicción o por miedo? ¿Superviviencia o principios? ¿Implicación contra las injusticias, a riesgo de perder la vida, o incómoda pasividad? Y es que las decisiones individuales afectan a lo que nos rodea, a la Historia que vamos creando. Tres personajes nos enseñan que existen muchas formas de valentía y de integridad en una pequeña-gran historia, de esas que reflejan una de miles de vidas que conforman lo que luego se estudia en los libros.

Revival again: The Undertones

2007-03-27T09:58:00.000Z

Volvemos a estar de revival setentero punk. Ahora llegan The Undertones , un grupo de lo que se conoce como punk pop. Se formaron en 1975, pero sólo duraron hasta 1983, año en el que Feargal Sharkey, Damian y John O'Neill, Bill Doherty y Michael Bradley se despidieron.

En 1994 se juntaron de nuevo para unos shows, pero Feargal Sharkey no quiso volver a cantar en el grupo de su juventud. Cuando en 1999 volvieron a unirse, ya ni le preguntaron y le sustituyeron por Paul McLoone.

Apadrinados por el pope de la radio británica del momento, John Peel, que les consideraba uno de sus grupos favoritos y creía que su canción Teenage Kicks era la mejora de la historia –un poco exageradito, en mi opinión-, se hicieron famosos con éste single y otros como Here comes the summer o Jimmy Jimmy . La verdad es que sus letras hablan de chicas y picores adolescentes y seguro que resulta raro ver a cincuentones cantando cosas como “I wanna hold her wanna hold her tight/Get teenage kicks right through the night” en la gira que ahora realizan y que llegará a Madrid (28 de marzo, Sala El Sol), Bilbao (29 marzo, Santana), A Estrada, Pontevedra (30 marzo, Teatro Principal) y Gijón (31 marzo, Parque del Piles) .

Sin embargo, su música sigue sonando fresca y se agradece esta pequeña vuelta a los 70 con sabor irlandés. No son The Avengers (que nos visitaron hace poco y cuyas canciones y letras tienen muchísima más fuerza y contenido, está claro) ni The Clash ni Sex Pistols, grupos de la misma época con unas letras políticamente más intensas pero, como ellos mismos sostienen, “si analizásemos los textos, deberíamos sentirnos muy extraños tocando esos temas hoy —asume Bradley—. Pero es que, incluso cuando éramos jóvenes, para nosotros sólo eran canciones. Los temas de New York Dolls o Ramones también tratan de eso y aún nos siguen enganchando. O a lo mejor es que no hemos crecido...". Puede ser. Al fin y al cabo, los Ramones también cantaban “Well let's dance, well let's dance We'll do the twist, the stomp, the mashed potato too” …

¡Rebelión!

2007-03-27T08:00:00.000Z

Sí, Capra ha vuelto, y ha elegido la Sala Cuarta Pared de Madrid para hacerlo. Pero ha vuelto renovado, ampliado. Si el gran director de cine mostraba en sus pelis al héroe solitario que trata de recuperar de las garras de los corruptos las verdaderas esencias de los valores más puros (la Justicia, la Verdad, la Bondad, la Democracia), Luis García Araus y Javier G. Yagüe nos muestran que también hoy existen "Rebeldías Posibles".

El héroe anónimo (José García, el John Doe o el Mr. Smith de Capra) decide reclamar a una operadora telefónica, Telefón, los 28 céntimos que le han cobrado injustamente, aunque para ello se arruine. Su integridad, sus valores, le llevan incluso a ser despedido para poder asistir al juicio. Lo que no preveé es el ejemplo que eso va a suponer para otra gente. Su lucha ideal por un mundo mejor, por recuperar los derechos perdidos y la dignidad machacada, harán que los de su alrededor también se rebelen, pero de una forma que García ya no comparte, con nuevos medios. Ya no son suficientes la fé en la Justicia y en las leyes, sino que se adoptan nuevas formas con las que García no está de acuerdo (scraches, sentadas, okupaciones, sabotajes, denuncias en televisión...) porque se salen de los cauces establecidos.

El héroe de Capra es superado por una realidad que se impone. El sistema ha canalizado tanto las formas de protesta que se hacen necesarias nuevas maneras de rebelarse cotidianamente. Las pequeñas luchas, las rebeliones cotidianas para recuperar los valores, la dignidad (representados por una mujer que intenta conseguir una vivienda, un joven que trata de apostatar, un padre que lucha por la vida de su hija frente a la burocracia) cuestan más, son más difíciles, que dejar pasar las humillaciones, bajando la cabeza. Es más cómodo, y más fácil, someterse que rebelarse. La lucha frente a la resignación que obliga no sólo a protestar sino a reclarmar, a exigir, a hacerse oír.

La Compañía Cuarta Pared (con unos estupendos Asu Rivero, Frantxa Arraiza, José Melchor, Javier Pérez-Acebrón y José Sánchez y una -me temo- más flojita María Antón) nos acompaña a través de este "cuento" -rebelándose ellos mismos incluso contra lo escrito, contra el cuento que no les gusta-, recordándonos que las pequeñas luchas, las rebeliones cotidianas son posibles, se siguen dando diariamente aunque no nos demos cuenta y que, esas pequeñas rebeldías posibles, juntas, tienen un gran valor y una fuerza que pueden convertirlas en algo mucho mayor. ¿Por qué no? Sólo hay que rebelarse.

Realidades Avanzadas

2007-03-21T12:30:00.000Z

Miles de persones se manifiestan por las calles en actitud hostil. Las “autoridades democráticas” convocan a un grupo de ciudadanos y ciudadanas para tomar decisiones cruciales ya que esas autoridades no han conseguido vincular estos manifestantes a ninguna organización conocida. ¿Qué se debe hacer?
Se convocan asambleas en las que los ciudadanos y ciudadanas (el público) son fotografiados justo antes de entrar en la sala, para su correcta identificación. También reciben cuatro cartulinas, cada una de ellas de un color, para el momento de las votaciones.
Empieza el pleno presidido por dos representantes de las autoridades políticas. En primer lugar se procede a la presentación de un reportaje videográfico sobre la situación de la vivienda, al parecer, origen de la revuelta. A continuación, se pide a los ciudadanos y ciudadanas presentes (el público) que respondan un cuestionario sobre la vivienda.

Éste es el punto de partida del espectáculo que la rompedora compañía Conservas, dirigida por Simona Levi, pone ahora en marcha los días 28, 29 y 30 de marzo en el Aula Magna de la Universidad de Filosofía de Barcelona.

Según afirma la nota de prensa de la compañía, “Realidades Avanzadas nace con la intención de hacer reflexionar sobre la democracia en general y, sobre todo, incide en la cuestión de la propiedad. El espectáculo está articulado a partir de 3 grandes ejes: la vivienda, el espacio público y la propiedad inmaterial. Uno de los principales objetivos del espectáculo es la transformación del pensamiento a partir de la reflexión irónica de la sociedad contemporánea.”

Para ello, con el objetivo de dar toda la fuerza crítica e irónica a las diversas situaciones de la obra, “se ha trabajado con informaciones y referentes legales totalmente contrastados con profesionales y grupos que trabajan las temáticas tratadas. De este modo la ironía se vuelve demoledora. De otra forma, sería vacua”.

Algunos de los miembros de Conservas participan activamente en los movimientos sociales de la ciudad en materia de vivienda, civismo y libre circulación del conocimiento. Así, se ha reunido un equipo de 20 personas (expertos en motion graphics y realización videográfica, informáticos especializados en el desarrollo de sistemas telemáticos de participación democrática, abogados, músicos y guionistas de programas de televisión de prestigio) para experimentar en una propuesta escénica donde la tecnología se vuelve esencial, como ya lo es en la realidad.

Algunas de las particularidades del montaje son que para su estreno en Barcelona

- será representado en un recinto no escénico (en el aula magna de una universidad)
- el público, como cosa no muy habitual en las representaciones teatrales, se podrá llevar un DVD interactivo. "Se trata de la primera obra de teatro COPYLEFT". El espectador se llevará la obra en un DVD al finalizar la función. Éste contendrá toda la información facilitada durante el montaje, ordenada y sistematizada y todo el material de la pieza (textos, videos, animaciones, música, imágenes…). Se facilitará al público en forma de “top manta institucional” al final de la actuación.

La idea es que quien quiera profundizar en sus conocimientos sobre los temas tratados en la obra lo pueda hacer. El DVD es una completísima recopilación de centenares de los mejores y más interesantes materiales sobre los 3 temas (vivienda, espacio público y propiedad inmaterial) y ha sido elaborado gracias a la aportación de un sinfín de personas que trabajan en la defensa de la libre circulación del conocimiento y está distribuido bajo licencia copyleft en colaboración con varias editoriales. Pese a contener una información complejísima, está diseñado de forma amena y es de fácil manejo, guiando al usuario en todo momento para facilitarle la navegación.

Origen del espectáculo

Como explica la compañía, “Realidades avanzadas tiene su génesis en el vídeo que Conservas colgó en la página web YouTube en octubre de 2006 con el mismo nombre que ahora da a este espectáculo. El video, en forma de ficción y que también incluye imágenes reales grabadas con cámara oculta, denuncia el entramado de inmobiliarias y entidades financieras que, con la complicidad de las administraciones, practican de forma generalizada la violencia inmobiliaria y urbanística haciendo imposible el ejercicio del derecho constitucional a una vivienda digna.

Este video recibió más de 8.000 visitas en tan sólo dos días y estuvo dentro del ranking de los más visitados en España. A raíz de una rueda de prensa que dio, pocos días después, el “Taller contra la violencia inmobiliaria” y donde se visionó el mencionado video, las apariciones en prensa fueron masivas. Poco después, a petición de una conocida entidad bancaria, en YouTube (página para difundir libremente en la red) se censuró este video“.

Me enamoré de una cabra

2007-03-20T09:33:00.000Z

Josep María Pou se enamora de Sylvia, una cabra. Bueno, Pou no, su personaje, Martin, en la obra "La cabra o ¿quién es Sylvia?" que se representa hasta junio en el Teatro Fernando de Rojas de Madrid después de recorrer medio país con un éxito asombroso. No es para menos. Esta, en apariencia, comedia esconde una honda tragedia porque gira en torno a la autodestrucción.
Martin es un reputado arquitecto, el más joven en recibir uno de los mayores premios de su profesión y con el proyecto arquitectónico más grande del momento en sus manos; en casa, lleva más de 20 años casado y enamorado de su mujer, Stevie, y tienen un hijo de 17 al que han dado una educación "progre". Pero Martin guarda un secreto: se ha vuelto a enamorar.
Si Martin se hubiera liado con otra mujer o con un hombre, la obra de Edward Albee no sería lo que es: un duro y certero análisis de la autodestrucción. ¿Por qué un hombre como Martin se enamora de una cabra? No es sólo que se tire a la cabra, que sí, si no que, además la ama, está enamorado de ella, no puede vivir sin verla.

¿Por qué? Y aquí llega la genialidad de Albee. ¿Qué es el amor? ¿Por qué nos enamoramos sin remisión? ¿Podemos controlar los sentimientos? ¿Nos enamoramos como forma de agarrarnos a algo que nos permita salir a flote de nosotros mismos? ¿Algo que nos deje un espacio para ser mejores, para ser otros? ¿No es el amor una locura y la locura, destrucción? ¿Nos autodestruimos por amor o amamos como forma de autodestrucción?

Albee introduce lo absurdo con ese amor fou a una cabra. Es un amor irracional, incomprensible para todos, incluído Martin (con un espléndido Pou interpretando a este hombre perplejo de sí mismo, resignado e incapaz de saber qué le está pasando) y, especialmente, para su mujer Stevie (con una gran Mercè Arànega) que como mujer liberal y comprensiva hubiera entendido una infidelidad, pero es, como el mismo público, incapaz de entender esa relación con una cabra. Imposible comprensión ya que su marido quiera una cabra deja su amor por su mujer sin valor, sin sentido. Martin prefiere a una cabra a la mujer con la que ha compartido su vida durante años, con la que tiene una complicidad y una relación perfecta.

¿Es esa perfección lo que Martin necesita destruir? ¿Por qué en ocasiones destruimos lo que más queremos, lo que es cómodo, con lo que estamos a gusto? ¿Quizá porque esconde una resignación que subconscientemente no aceptamos? El amor por Sylvia es también la forma simbólica del riesgo, la aventura, lo distinto dentro de la rutina, la experimentación, el cambio. Romper con todo para que todo cambie. Quizá la autodestrucción llega porque hay que destruir para construir, hay que acabar con el presente para empezar un futuro. Es la forma de decir “este presente no me gusta”, aunque ese presente sea lo más adecuado para uno. Porque lo adecuado no siempre nos da la felicidad. Quizá el amor de Martin por una cabra es su búsqueda por ser feliz, es un símbolo de la búsqueda irracional, y egoísta, de la felicidad, que arrasa con todo, incluso lo más querido.

La obra de Albee, un autor de 79 años recién cumpliditos (el 12 de marzo) autor de "¿Quién teme a Virginia Wolf?", te persigue después de salir del teatro. Con una forma teatral perfecta, con un hilo que te va llevando poco a poco al fondo de la tragedia y con un sorprendente final, Albee nos muestra qué poco hace falta para que los supuestos cimientos en los que se basa nuestra vida se caigan de un golpe. Todos podemos toparnos con nuestra particular Sylvia en algún momento de nuestra vida. Cualquier día, podemos enamorarnos de una cabra.

Tres paradas para el baile español: Sevilla Madrid Sevilla

2007-03-19T12:11:00.000Z

Sutil, delicada, de un gusto exquisito y elegante es la coreografía de Rojas y Rodríguez para el Ballet Nacional de España. Su "Dualia" destaca a un nivel muy alto entre las tres coreografías que componen el nuevo espectáculo del ballet dirigido por José Antonio.

Compuesta en tres colores (blanco, rojo, negro) que le dan la elegancia, con tres elementos (castañuelas, peinetas, batas de cola) que le dan la tradición, "Dualia" es el montaje más corto del espectáculo pero el más redondo. Es el que menos taconeo tiene, pero el que transmite de forma más honda lo esencial del baile español. Con momentos que se quedan en la retina (la entrada de las bailarinas dando vueltas con sus vestidos blancos, un movimiento con Rojas y Rodríguez bailando con Elena Algado y Esther Jurado con batas de cola...), estos dos jóvenes bailarines y coreógrafos demuestran que para innovar lo mejor es ir a las raíces, a la esencia y, de ahí, extraer lo que caracteriza a esta danza.

También a muy alto nivel vuela la coreografía "Caprichos" de Fernando Romero, con momentos muy buenos como el Puente de ida y vuelta, el Capricho de Milonga o los Comparitos. Pasos muy marcados, movimientos puros y unos pasos originales para el cuerpo de baile componen una coreografía lograda.

Sin embargo, "Cambalache", la pieza de Antonio Canales, se resiente de los momentos en escena del bailarín. Como coreografía, se pueden destacar algunos buenos momentos como la Gitanería y Pena. Es una lástima que el exceso de Canales en el escenario -mientras los bailarines esperan en sillas - lastre el montaje. Su baile en el escenario se hace largo y parece obedecer más a la necesidad de aplausos que a la coreografía. Una muestra más de no saber dónde están los propios límites y de cómo se dan alas al ego. "Cambalache" agradecería la ausencia de Canales del escenario y el público, también.

París, Te Quiero

2007-03-13T15:41:00.000Z

Parí, Parí… Cuántas atrocidades cometidas en tu nombre… Ya sé que la cita está tergiversada, pero quien dice “libertad” puede decir “París”. Y quien dice atrocidad puede decir “corto-dentro-de-una-peli-de-cortos”.

18 cortos en una película. 18 cortos, pero no todos de la misma calidad. Yo no conocía a algunos de los directores (algo positivo, porque los que sí conocían no me sorprendieron: el corto de los Cohen, genial, pero desde el primer plano sabes que es Cohen&Cohen; el de Isabel Coixet –estupendos Sergio Castellito y Miranda Richardson- es Coixet 100%; el de Gus Van Sant, desgraciadamente, es Van Sant –este hombre está de capa caída, no hay quién le entienda!-…. El único que me sorprendió, aunque no me entusiasmó, fue Wes Craven. ¡Una espera a un Craven en estado puro si lo rueda en Père-Lachaise!).

Lo mejor es que no todos los cortos giraban en torno al París idílico de los enamorados, sino a la ciudad europea real, con sus problemas y sus adversidades. Por eso, en esta peli hecha de minipelículas se pueden encontrar algunas perlas maravillosas:

- El corto de Walter Salles y Daniela Thomas, con una Catalina Sandino Moreno maravillosa como madre inmigrante;
- Curiosamente, el otro latinoamericano, Alfonso Cuarón, también habla de la maternidad en su corto, con un Nick Nolte envejecidísimo;
- Más cortos de inmigrantes: el de Olivier Schmitz es durísimo y puro cine, de denuncia, de ternura, de amor, de piedad…
- Ligero, bonito y esperanzador es el de Gurinder Chadha, en el Quais de Seine;
- La pareja Ben Gazzara-Gena Rowlands en un corto dirigido por Gérard Depardieu y Frédéric Auburtin, y escrito por la propia Rowlands. ¡Cuándo hay talento no se necesita nada más!
- La pareja Bos Hoskins-Fanny Ardant en un corto que no está a la altura de sus actores por su guión;
- El corto de Vincenzo Natali me sorprendió. Muy estilo cómic, refrescante dentro de la marcha de la película. Eso sí. Elijah Wood haciendo el papel de Frodo, una vez más. Muy bonita la metáfora del “amor vampiro”;
- Triste y solitario el de Alexander Payne, que pone fin a la película. No es nada del otro mundo, pero es un buen colofón y una bonita manera de decir Paris, je t’aime…

Desvelando El gran secreto

2007-03-12T13:42:00.000Z

¿Amamos como un género literario, teatral o cinematográfico? En mi caso, creo que me enamoro como en un melodrama musical absurdo, como en la película de Alain Resnais “On connait la chanson”, que es una de mis pelis favoritas (y que recomiendo si te gustan los musicales y las pelis francesas)…
Puede ser que vosotrxs viváis la relación sentimental como un drama, como una screw-ball, como una peli de terror, como un thriller… Ésa es la teoría que expone Albert Espinosa en la obra que representa estos días Comediants en Madrid y llamada “El gran secreto”. Para Espinosa, el teatro y el cine nos han marcado unos modelos que son los que seguimos en el amor, estamos condicionados por ellos y no somos libres en la forma de relacionarnos.
Es una teoría curiosa y quizá lo mejor de este montaje que no es reseñable por nada en particular. Aunque agradable, no emociona ni transmite y durante la hora y media pasamos sin pena ni gloria por la historia del amor en la prehistoria, la época griega, el teatro isabelino, el vodevil italiano, el teatro del absurdo… hasta llegar a la actualidad, donde las relaciones sentimentales se viven como en un combate, una competición.
Los saltos temporales se hacen un poco arbirtrarios y los intentos de originalidad (la escenografía sobre una tarima que se va transformando en los diferentes escenarios; el combate en la pareja…) se quedan en eso, intentos ya vistos. Y es una pena, porque Espinosa es un buen autor. Me temo que se nota demasiado que es una obra de encargo y que la inspiración tardó en llegar. Vamos, que el secreto podría haber permanecido oculto sin problema.
Eso sí, a destacar el trabajo de varios de los actores. A mí me gustaron especialmente los actores que hacían de Pepe y de la regidora ( y que no sé quiénes son porque en la información de la obra no consigo encontrar quién es quién).

Arreglado lo de los comentarios!!!

2007-03-10T19:59:00.000Z

La mudanza no ha ido todo lo bien que debiera y los comentarios sólo estaban habilitados para los usuarios registrados. Ahora ya puede comentar cualquiera. Así que, cualquiera, plis, dime arrrgo!!!
Cualquiera igual no tiene mucho que decir, pero seguro que vosotrxs sí!!! Ánimo y al comentario!

Para que os soltéis, ahí va esta animada coreografía de superhéroes!

Las Alas de Nacho Duato

2007-03-09T09:00:00.000Z

Un placer estético absoluto. Eso es ver bailar a la Compañía Nacional de Danza. Pero esta vez se añadía el morbo de ver a Nacho Duato, su director, en el escenario. Para los que no le hemos visto bailar, ésta ha sido una oportunidad única y “Alas”, basada en la peli de Win Wenders “El cielo sobre Berlín”, parecía una buena ocasión para volver con una coreografía creada específicamente para él por Tomaz Pandur.

Aunque se le nota la edad (50 años) al bailar, su presencia sobre las tablas es impresionante. Es cierto que la calidad técnica de los bailarines de la CND es de una absoluta perfección y que, por muy alta que sea la maestría de Duato, en algunos pasos la edad se nota. Aún así, ninguno de los bailarines tiene el cuerpo de Nacho Duato, perfecto, marcado, con un impecable control de sus músculos y sus gestos. Él dice que, aunque ha perdido agilidad, ha ganado en presencia escenográfica. Y es cierto. Cuando está encima del escenario, se nota, no puedes dejar de mirarle, sobresale.

En cualquier caso, no dejo de pensar que su vuelta al escenario con este “Alas” tiene algo de vanidad: se puede echar mucho de menos el aplauso del público. Y, sinceramente, volver con la CND es una garantía. La entrega de la gente en sus espectáculos es total, incluso a veces acrítica. “Alas” es un buen espectáculo, pero no es para levantarse del asiento. Tampoco para salir sin aplaudir. Las dos cosas se dieron en el Teatro Real el día que yo fui. Y las dos me parecen injustas. El hecho de que la CND baile tan poco y durante tan pocos días, les asegura un público con ganas. Pero, en el Real, los abonados, esa gente que va por ir porque han pagado el abono y porque, jubilados, no tienen otra cosa que hacer, no entendieron el ballet. El quid de la cuestión es que no hay que entender lógicamente un ballet. Ha de llegarte, estética, emocional o a un nivel imposible de describir.

Personalmente, a mí me llegaron estéticamente varias partes (la final con el agua es preciosa), pero hubo momentos en los que se me iba la atención. Parecían de relleno, como dice una amiga: “no te pueden cobrar 40 € por 45 minutos. Así que bailan hasta la hora y cinco”, pero con momentos que sobran.

No es un montaje redondo, pero sí un muy buen espectáculo. Me gustó muchísimo más la CND2 que vi bailar el año pasado (creo recordar que bailaron "Remansos, Coming Together y Rassemblement") y el anterior espectáculo, “Por vos muero”. Pero, si tenéis la oportunidad, no dejen de ver a la CND. Los momentos para disfrutar de la belleza hay que aprovecharlos.

¡Bienvenidxs!

2007-03-08T16:15:00.000Z

Hola a todos! Nos hemos mudado y éste es nuestro nuevo hogar. Espero que os sintáis a gusto. Los artículos de http://theefiles.blog.com se han trasladado aquí y cada uno lleva, al final, la fecha original en que fueron publicados. Espero que os sean útiles. ¡Aquí estamos y parece que nos quedamos!

Vuelve la obra antimilitarista Hazme Reír, ahora en el teatro Alfil de Madrid

2007-03-08T13:38:00.001Z

Vi esta obra en el teatro Galileo hace unos meses y me dio mucha pena ver que éramos sólo unas 6 personas. Me alegraría un montón que pudieran llenar el Alfil ahora que vuelven a los escenarios madrileños. Aquí va la crítica que escribí entonces:
"Dice Teatro de Malta, la compañía responsable de este montaje, que, para crearlo, se inspiró en las campañas publicitarias de captación de jóvenes para las fuerzas armadas. Lo que más les llamó la atención fue que, en los anuncios, no se menciona la palabra "guerra", actividad para la que, al fin y al cabo, se prepara un soldado.Sobre esta premisa, cuatro clowns nos cuentan lo que significa la guerra, destacando el absurdo de la instrucción, la jerarquía o la obediencia; los sentimientos de dolor, soledad, abandono y miedo que genera, así como las consecuencias de exilios, juicios, tortura, muerte... que provocan las conflictos bélicos.
Hacer reír hablando de guerra no es fácil pero Teatro de Malta lo consigue. Eso sí, hay que señalar que lo logra de forma mucho más contundente en la segunda parte del espectáculo, donde la ironía, los dobles sentidos y las situaciones enlazadas con la actualidad son más eficaces.
No es que la primera parte no merezca la pena, sino que en la explicación de los términos militares y la extensión de las referencias a la Guerra Civil no recurre tanto al humor del absurdo como en la segunda parte. Y, en la explicación de toda guerra, el absurdo tiene un papel protagonista. Desde que el espectáculo se adentra en la Segunda Guerra Mundial, gana en profundidad, aunque en ocasiones la forma un tanto brusca de pasar de un tema a otro deja un poco descolocado al espectador.
Con todo, la parodia de un juicio, el reflejo del miedo, la explicación esquemática, exacta y sencilla de la guerra de Irak o de cómo funciona una bomba de racimo nos sitúan dentro de un teatro de denuncia con humor, siempre tan necesario. Y es de destacar el trabajo de Teatro de Malta para hacer crítica mediante la comedia. Un esfuerzo difícil pero logrado."

Animalario se lanza a una loca revolución en Marat-Sade

2007-03-08T13:35:00.000Z

¿Puede existir la revolución sin locura? ¿Es la locura elemento sustancial de toda revolución? Animalario nos sumerge en una locura compartida para reflexionar sobre nuestro mundo echando una mirada a la Revolución Francesa. Y logra un montaje fascinante, que no te cansas de ver y que no deja de sorprender.

Con un escenario blanquísimo gracias a estar lleno de ropa sucia (primera contradicción, primera “pureza” hecha de “suciedad”), la compañía nos introduce en un manicomio en el que los locos interpretan una obra: Persecución y asesinato de Jean Paul Marat representado por el grupo teatral del hospicio de Charenton (aquí Nervión) bajo la dirección del Marqués de Sade , más conocida como Marat-Sade, de Peter Weiss. Su locura hace que, a medida que avance la obra, se apasionen y nos hagan llegar reflexiones que traspasan el ámbito teatral de la Revolución Francesa para criticar no sólo el manicomio en el que ellos viven sino la sociedad del siglo XXI en la que nosotros vivimos.

La obra se basa en la anécdota histórica de las representaciones que tenían lugar en el manicomio de Charenton -para distracción de los burgueses del París napoleónico- bajo la dirección del marqués de Sade, el más célebre de los pacientes del asilo, donde permanecía internado con carácter forzoso.

Aunque (aviso a quienes no conozcan a la compañía Animalario) hay momentos de “cómo se lo montan los de Animalario en el escenario”, la verdad es que no desentonan en un montaje en el que la locura nos conduce cada vez más por los senderos revolucionarios.

Un paranóico haciendo de Marat; una enferma aquejada de letargias, de Carlota Corday, interpretanto a la asesina de Marat; el Marqués de Sade dirigiendo la obra; un narrador-apuntador que nos cuenta la historia; un coro, a la manera de los clásicos griegos, que se presentan en escena para guiarnos musicalmente (los momentos cabaret musical, concierto punk, canción melódica… son un contrapunto genial, con una canción estribillo pegadizo que no dejamos de cantar el amigo con el que iba y yo cuando cuando salimos del teatro) por los momentos revolucionarios, una ¿directora? de manicomio que trata de poner orden reprimiendo los momentos de exaltación.

Sin un momento de respiro, ya que todas las escenas se quedan en la retina, sin que haya momento de desperdicio durante las casi tres horas que dura la obra y que se pasan como un suspiro, la obra trata temas como antimilitarismo, antinacionalismo, antimonarquía. Sin desvelar mucho, dos frases y un momento antimilitarista: “El mayor acto de honor de un soldado es la deserción”; “El artículo 1 del cualquier estatuto que rige una institución militar debería ordenar su desaparición”. El momento: un loco señala "¿es tan utópico poder vivir en paz? ¿no se puede educar para la paz?" A lo que la directora contesta con un tortazo. Muy gráfico.

Y así, con forma semejante, se critica a la monarquía, a la iglesia, a los ejércitos, a la guerra, al conformismo, pero también a la revolución, sus métodos, la violencia, la masa, la rabia incontrolable, la justicia convertida en injusticia. El magnífico texto de Peter Weiss es tanto más revolucionario porque critica también los principios de la misma revolución. Nada escapa a la crítica de los "locos". La dialéctica entre reforma y revolución, entre acción y filosofía, entre pueblo e individuo, la discusión sobre hasta dónde debe llegar el dolor colectivo como catarsis, la reflexión sobre la violencia… hacen pensar y reaccionar.

Salir del teatro haciéndose un montón de preguntas (¿Debe estar siempre el pueblo por encima del individuo? ¿No se hace la revolución para contentar pequeños deseos individuales más que colectivos? ¿Somos capaces de llevar la revolución a la práctica? ¿Se ha llevado alguna vez? ¿Dónde se agotan las revoluciones? ¿No benefician siempre a los mismos, llámese burguesía o empresas multinacionales? ¿La revolución acaba con la corrupción o sólo cambia a los corruptos? ¿Cuál es la función del líder? ¿Se agota la revolución con la democracia?) es uno de los grandes logros de esta obra.

En el post sobre

Un enemigo del pueblo comentaba que esperaba que el montaje de Marat-Sade fuera más cercano, más actual, que lograra implicar al espectador, cosa que, conmigo no consiguió el montaje de Gerardo Vera de la obra de Ibsen. Andrés Lima sí lo consigue ahora en el Teatro María Guerrero de Madrid, ayudado por la gran versión de Alfonso Sastre. La actualización no tiene que ver con un texto magnífico (es algo que ya está ahí) sino en la forma en que éste se presenta (el momento telediario de noticias y el estilo de reportero con micrófono en la mano que se aprecia durante toda la obra es un ejemplo de esto, pero también la brutal escena en la que Sade habla del dolor colectivo sufriendo dolor individual pedido o el simbólico momento en el que el pueblo impone al líder las plumas de gran jefe indio….

Fantásticos los actores, especialmente Pedro Casablanc como Marat y Alberto San Juan como Sade, aunque es injusto no mencionar el enorme trabajo de todo el elenco bordando a estos locos que interpretan a personajes históricos, en un genial ejemplo de teatro dentro del teatro.

Fecha: 02/03/07

Mentiras que nos envuelven como el Humo

2007-03-08T13:34:00.000Z

Cuando el año pasado asistí a una representación de Las heridas del viento, escrita por Juan Carlos Rubio e interpretada por dos actores (Marcos Casanova y Humberto Rossenfeld, cubano y venezolano) que se encargaron de estrenar la obra en diversos teatros de EEUU, incluido Nueva York , me quedé impresionadísima. De hecho, sólo estuvo una semana y a mí me hubiera gustado volver a ir al teatro y recomendarla. Pregunté en la sala Triángulo de Madrid si la repondrían, y me dijeron que lamentablemente no, pero que este año Juan Carlos Rubio estrenaba una nueva obra: Humo.
Así que ya veis que lo esperaba con expectación y curiosidad. Y por fin, vi Humo. ¿Y qué podemos decir de esta obra interpretada por Juan Luis Galiardo y Kiti Manver? Primero, que ellos están estupendos, sobre todo Kiti Manver (fantástica). Que la obra habla de sentimientos con ironía y habla, como lo hacía Las heridas del viento, de reencuentros y sentimientos reposados. Ya no se habla de la pasión, sino de los momentos en los que la pasión nos obnubilaba. Hay una mirada de distancia en las obras de Juan Carlos Rubio, de ver el pasado con otros ojos, con otra perspectiva, para recuperarlo, reencontrarlo, aceptarlo y descubrir los secretos que esconde y que marcaron el resto de las vidas de los personajes. Y en todo eso hay mucha verdad. Mucha realidad. Cuando estamos metidos en las situaciones de pasión o dolor no vemos las razones de los otros, los sentimientos de los otros. Y la incomprensión, el no entender qué pasa marca en cierta medida las decisiones de la vida posterior. Los personajes creados por Rubio se reencuentran con su pasado porque siempre hay alguien que busca lo que pasó de verdad, trata de entender qué ocurrió en aquellos momentos. Es una especie de thriller de sentimientos. En Humo, además, las mentiras cobran protagonismo, se convierten en el eje de la obra: las mentiras a los demás, a uno mismo, a la sociedad… ¿Qué nos queda? Una verdad que también es mentira… ¿o no? Sin llegar a la altura de Las heridas del viento, Humo es una obra que permanece en la memoria después de haber salido del Teatro Maravillas de Madrid y que nos hace preguntarnos si nos perdimos algo de situaciones que recordamos de determinada manera. ¿Fueron verdad? ¿Fueron mentira? Sea como sea forman parte de nosotros. En todo caso, la verdad o la mentira la construimos nosotros según nuestras necesidades en determinados momentos. Cada uno posee una verdad propia.

Fecha: 27/02/2007

Como abejas atrapadas en la miel

2007-03-08T13:32:00.000Z

Luisa Martín vuelve después de "Historia de una vida". Y lo hace ocupando el escenario de una manera total, con un papel dentro de otro papel. Ella sola, con su personaje de Alexa Val Deveroux, genera teatro dentro del teatro encima de un escenario. Hace lo más difícil que se puede hacer: un personaje que interpreta otro papel.
Embaucadora, inteligente, atractiva y hecha a sí misma, Alexa ha creado su propio mundo de la nada. Misteriosa e hiperactiva, ha hecho del mundo de la fama y la celebridad su hogar. Esta vividora descubre al joven escritor Evan Wyler en la portada de una revista y decide proponerle que escriba su biografía a cambio de jugosos honorarios. Lo impresionante del trabajo de Luisa es que Alexa es real pero, al mismo tiempo, demasiado acelerada, demasiado frívola. Y hay algo que no parece auténtico. Un pequeño matiz que se convierte en lo esencial del personaje, ya que esconde muchos secretos que, al final, explicarán esa sensación de desasosiego que emana Alexa. De ahí que esta obra, que Luisa Martín produce junto a su compañero Albert Bori, no pueda ser definida sólo como una comedia porque va pasando por diversos géneros. De hecho, el humor de esta obra es la ironía, la sátira… una sonrisa que se te va helando poco a poco.Douglas C. Beane, el autor, ha querido criticar la fama, el éxito y todo lo que pulula a su alrededor. La juventud, la inconsciencia, el aprendizaje a costa de perder la inocencia y la ingenuidad, la venganza, la supervivencia por un lado, y los artistas y sus egos por otro. Es complicado hablar de esta obra sin contar algo del argumento, pero es necesario que no se cuente mucho para no destripar los secretos que esconde. Ágil, entretenida y aguda cuenta con unos actores muy buenos (ya he destacado a Luisa Martín, pero también José Luis Martínez, Ángel Burgos, Ana Trinidad e Inge Martín, fantásticos y muy divertidos en sus multi-personajes). Más dudas tengo con el coprotagonista, Félix Gómez que, para mi gusto, no acaba de cuajar en la química con Luisa. Quizás, con el rodaje de la obra, se vayan adaptando mejor, pero es difícil creerse esa fascinación romántico-sentimental-sexual de un escritor gay por Alexa con los matices que le da Gómez. Algo falta.

Fecha: 26/02/2007

Sólo ante el pueblo

2007-03-08T13:31:00.000Z

Lo primero, señalar que es una maravilla ver el cartel de “no hay entradas” al acercarse a la taquilla de un teatro. Y con este montaje por lo visto está pasando desde el primer día. No ha hecho falta ni siquiera que se corriera la voz. La gente está llenando el teatro Valle Inclán de Madrid para ver una obra política y, por la expectación que está despertando “Marat-Sade”, de Animalario para el CDN, que se estrena esta misma semana en el María Guerrero, los espectadores estamos ávidos de “revolución” o al menos de que nos agiten un poco aunque sea desde un escenario.
Volvamos a "Un enemigo del pueblo". Un texto político. Un texto audaz de Ibsen. Un buen comienzo. Qué pena que el montaje de Gerardo Vera me supiera a poco. Con un texto tan rico, tan intenso, tan demoledor es una lástima que todo un Centro Dramático Nacional no le saque más partido. Y eso que la puesta en escena me gustó y también la aparición del cine para agilizar ciertos momentos. Pero, ¿dónde esta el riesgo, la frescura de la innovación?Entendámonos. Es un montaje correcto, bueno, pero con todos los medios de que dispone el CDN hay que exigir más. Ambientado en un pueblecito escandinavo made in Ikea, todo es igual que el clima nórdico: un poco frío, sobre todo, los actores. A ver. No es que no sean buenos. Creo que todo lo contrario porque, salvo en alguna excepción, todos bordan sus escenas principales. Pero la obra en conjunto se queda distante. Salvo en la escena de la asamblea. Mi medidor personal de intensidad fueron unos jovenzuelos recién salidos de las aulas de la ESO y transportados al teatro por algún profesor/a con muy buenas intenciones. Estábamos justo detrás de ellos. El murmullo y la postura corporal fueron un buen indicador del aburrimiento que les corroía durante la primera parte de la obra. Y dado que yo estaba atenta a ellos, pues comprenderéis que mi cabeza también se encontraba también un poco en Marte (y no puede ser achacado del todo a lso virus que me poseen desde hace unos días y que han tomado a mi voz como rehén). Sin embargo, como periodista y dado que tengo una edad, me dije que debía centrar mi atención al escenario. No me arrepentí. Cuando me dediqué definitivamente a lo que sucedía en el escenario, me quedé enganchada a esas conversaciones, esas discusiones. Es, repito, un gran texto. Tan bueno que, con un poco de pasión y humor, los chavales de la ESO se lanzaron hacia delante en sus asientos en cuanto empezó la asamblea.

Si habéis visto alguna asamblea con partidos políticos de por medio alguna vez, os hará bastante gracia la asamblea. Es muy realista. Y muy apasionada. De hecho, esto es lo que más me gustó de la obra, unido a Walter Vidarte (entrañable protagonista de la nunca suficientemente loada “Barcelona, mapa de sombras”). También me pareció genial la forma en la que los lobbies ciudadanos y los medios de comunicación van destapando su verdadera cara y verdaderos intereses, como me comentó una amiga, la maestría en la que Ibsen demuestra en dos pinceladas como montar una campaña política con estos dos elementos. Algún "pero" al texto (y al montaje) en el que coincido con la amiga de la que os hablaba antes. El montaje parece apostar implícitamente por las élites vanguardistas para liderar la democracia o por las minorías. Ibsen habla de la sinrazón de la mayoría (¿lo que apoya la mayoría es lo bueno, lo que tiene la razón?) pero, en su crítica, parece dejar la razón en las minorías. A veces las minorías tampoco tienen la razón y tampoco las élites. Si la razón no la tienen ni las mayorías ni las minorías, si nadie es bueno y puro en sociedad, la democracia quizá tampoco lo sea. Echo de menos una crítica más radical a esta democracia, un pasito más en una obra perfecta en la forma en la que se desenmascaran las apariencias y los supuestos intereses, las supuestas justas razones.

Espero que las entradas sigan agotándose y la obra tenga que prorrogarse (más bien reprogramarse, que las temporadas de los Compañías Nacionales suelen ser muy apretadas), pero me queda la esperanza de que "Marat-Sade" sí tenga una parte rompedora e innovadora, que sea un montaje que realmente merezca la pena. Sabemos que el texto de Peter Weiss tiene una gran calidad. Y confío, sinceramente, más en Andrés Lima que en Gerardo Vera. A ver si hay suerte.

Fecha: 19/02/2007

Amor en tiempos de guerra: West Bank Story

2007-03-08T13:30:00.000Z

Ayer vi en Cuatro, en el informativo de Iñaki, una pieza sobre un corto que está nominado a los Óscar. Me pareció genial. Se llama West Bank Story . Al parecer está basado en la peli musical “West Side Story”. Aquí la historia está ambientada en Oriente Próximo en la lucha entre dos restaurantes, uno palestino y otro israelí que se hacen la guerra sucia en la competencia por sobrevivir. En medio de esta lucha, David, un soldado israelí, y Fátima, una camarera palestina, se enamoran.Mientras, los israelíes deciden levantar un muro entre los dos restaurantes y los palestinos hacen planes para echarlo abajo. Estoy deseando verlo. El trailer lo puedes ver aquí . Merece mucho la pena.

Fecha: 14/02/2007

Leo Bassi sigue rebelándose: La Revelación, de nuevo

2007-03-08T13:29:00.000Z

Hace días que quería escribir sobre “La Revelación” de Leo Bassi. Asistí a la obra con mucho interés, esperando ver una obra escandalizadora hasta decir basta y preparada para que Bassi nos llevara a la calle a gritar contra la iglesia y contra la religión o nos embadurnara con algún tipo de pintura o elemento pegajoso. A nosotros o a él.Sí gritamos, sí (cuando Bassi pidió a los ateos y agnósticos –“ateos sin caña”- que gritáramos para mostrar que existimos). Un grito salió del patio de butacas e inundó la sala del Teatro Alfil de Madrid.

Sin embargo, la obra no me pareció especialmente provocadora, hablando en términos teatrales. Me refiero a que sí es provocadora intelectualmente ya que es un recorrido por la historia del cristianismo, deteniéndose en los momentos más significativos y manipuladores de la Biblia.Leo Bassi explica, tras el inicio de la obra -en el que se viste de Papa y se pone a bailar break ( o algo parecido… ¡Madre mía!¡Qué energía! ¡Yo no sería capaz de hacerlo sin que me diera un ataque al corazón! Sólo por ese momento merecería un premio!) y luego reparte condones con la sana intención de atraer a los jóvenes a la iglesia-, que es este momento de suplantación papal el que ha generado tanta polémica (con bomba incluida. Recordemos que el año pasado, cuando se estrenó en este mismo teatro, un terrorista puso un artefacto explosivo en la sala. Por fortuna, el artefacto fue descubierto y desactivado. Sin embargo, la extrema derecha no se sintió contenta y le plantaron una concentración frente al Alfil. Menos mal que muchísimos antifascistas apoyaron a Bassi en una contra-concentración).

No entiendo yo por qué tanto lío, la verdad. Bassi tiene derecho a la libertad de expresión. Y, sinceramente, me parece más escandaloso el apoyo de la iglesia y determinados políticos a manifestaciones reaccionarias que lo que cuenta Bassi en su obra con mucha gracia. Y con un objetivo muy loable: “convertir” a algún fanático a las delicias de la razón.Su paseo por el paraíso y por las creencias religiosas no ataca sólo al cristianismo sino a la religión como limitadora y represora. De hecho, es significativo el final, donde Bassi descubre la espiritualidad entendida como fusión con la naturaleza. Muy interesante y muy divertido gracias a la historia del jesuita convertido por los indígenas (de lo mejor de la obra).

Durante el monólogo es especialmente memorable el homenaje a todos los pensadores ilustrados que han conformado la tradición laica e hicieron posible la Revolución Francesa, logrando independizar al estado del poder de la iglesia. El estado se liberaba de la religión y Leo Bassi trata de reivindicar este hecho. Parte de la idea, acertada, de que el laicismo no tiene quién lo defienda. Y de ahí su declaración apasionada de amor al ateísmo y la razón. “Defiendo el laicismo con pasión”, declara en su web. No sé qué tiene de escandaloso.

Somos muchos los que veneramos la razón por encima de la ceguera fundamentalista religiosa o por encima de cualquier fundamentalismo, más exactamente.Aunque al final, cómo no, aparece una “bassilada” (si no fuera así, puede que no fuera Leo Bassi), de la que se podría prescindir y el espectáculo ganaría (como de la expresión “cojones”, dicha millones de veces durante toda la obra, también prescindible por lo menos unas cuantas veces), “La Revelación” es una obra muy recomendable, incluso para quien ya la vio el año pasado, ya que durante los once meses que ha estado de gira el texto ha sido revisado en un tono "más profundo, serio y militante", a decir de su autor. Recomendable para el que guste de un buen monólogo, pero no para el que busque el escándalo. Eso lo tendrá que buscar en otro sitio.

Por cierto, Leo Bassi ha anunciado una nueva edición del Bassi-Bus, esta vez con dirección Telemadrid. Me parece muy didáctico y, esto sí, provocador y desobediente. Aquí sí.

Fecha:13/02/2007

The Avengers

2007-03-08T13:27:00.000Z

Los Vengadores no son los héroes del cómic ni tampoco los famosos agentes de la serie de TV, inmoratalizados para el cine con las caras y cuerpos de Uma Thurman y Ralph Fiennes.The Avengers también son un grupo que anticipó el hardcore punk, teloneros de los Sex Pistols en Witerland (el que fue su legendario último show). Nacieron en Los Ángeles, pero pronto se convirtieron en máximo exponente de la escena punk de San Francisco hacia 1977. Se separaron en 1979, después de una intensa actividad en directo (dieron casi 200 conciertos).
The Avengers sólo grabó dos LP, que después fueron compilados en uno sólo: The Pink Album. Sus albumes fueron grabados con Steve Jones (guitarrista de los Pistols) y, además de con los Sex Pistols, actuaron junto a X, The Go-Go's y los Dead Kennedys. Entre sus temas más conocidos están "We are the one", "The American in Me" o Uh Oh!" .Ahora están de nuevo de actualidad porque están realizando una gira por algunas ciudades del Estado. El año pasado volvieron a la carga con 2 de sus miembros originales: Penélope Houston (voz) y el guitarrista Greg Ingraham. Les acompañan Joel Reader, al bajo y coros (The Plus Ones, MTX, and scAvengers) y Luis Illades, a la bateria (The Plus Ones, Pansy Division).
Citas de la gira:22 Febrero. Madrid. Gruta 7723 Febrero. Arrasate.Sala 36024 Febrero. Alicante. Stereo25 Febrero. Barcelona. Apolo 2¡Qué los disfrutéis si podéis ir a verlos!

Fecha: 12/02/2007

Las chicas de tus sueños

2007-03-08T13:16:00.000Z

Si te gustan los musicales, tienes que ver Dreamgirls. La crítica está dividida: que es superficial, por un lado, que es fantástica por otro. Yo creo que depende de los gustos cinematográficos: si te gustan los musicales, te encantará esta película. Si no te gustan, mejor vete a ver Bobby o Rocky Balboa. Dreamgirls es la historia, edulcorada, de The Supremes. O más bien, de Diana Ross & The Supremes. Todos los protagonistas de la historia real tienen su alter ego de ficción.Dreamgirls es, ante todo, un musical de gran éxito en Broadway que se estrenó en 1981. El legendario Michael Bennett dirigió y coreografió el musical (hay un “in memoriam” a él al final de la peli y sale en los títulos de crédito –aunque parece ser que esto es obligado en toda adaptación de un musical al cine). El éxito de este musical fue enorme. Ganó 6 Tonys al año siguiente (estaba nominado en 13 categorías) y el acuerdo entre crítica y público en esta ocasión fue total: era un espectáculo fantástico. Bill Condon, el director de la película, vio este legendario montaje de Bennet cuando era pequeño. También lo hizo Eddy Murphy, que participa en la película interpretando a una especie de Smokey Robinson. Y lo hace muy bien. Condon decidió que se podía llevar a la pantalla conservando todo lo bueno y dándole frescura. Para ello, pidió 4 nuevas canciones al hombre que compuso la música original, Henry Krieger, y decidió encontrar un gran reparto: Jamie Foxx, que tiene un regalazo de personaje, Curtis Taylor Jr. (es decir, una especie de Berry Gordy Jr., el hombre que creó la Motown y creó a The Supremes) pero, lamentablemente, no lo aprovecha. Es un personaje muy rico: muy inteligente, muy activo, muy rápido, muy “ejecutivo agresivo”, un hombre con visión de futuro que utiliza a los de su alrededor para conseguir sus objetivos; Jennifer Hudson (situémosla en el lugar protagonista que le corresponde. Detalle al margen: es la ganadora de American Idol, el OT de EEUU. O sea, que es la “Rosa” yanki. Y se sale en la peli) es Effie White (en The Supremes, Florence Ballard), la mujer con una voz portentosa que es relegada por la voz más del gusto “blanco”, más matizada, más light, de Deena Jones (Beyoncé Knowles, que aquí hace obviamente de Diana Ross –nótese el parecido de los nombre en la pronunciación). Junto a ellas, Anika Noni Rose que es la tercera en el grupo (Lorrell, es decir, Mary Wilson, que escribió un best-seller contando su experiencia en The Supremes). Además, hay que incluir a Keith Robinson (C.C., hermano de Effie, compositor y coreógrafo –una mezcla del compositor de la Motown Holland-Dozier-Holland y de Smokey Robinson) . Junto a ellos, Danny Glover es Marty, el representante de Jimmy “Thunder” Early (Eddy Murphy), un cantante que trata de llegar al público blanco y estará siempre a punto de conseguirlo. Serán The Dreams, las chicas, las que lo conseguirán.

La película es un grandísimo musical. En muchas ocasiones tienes la sensación de estar en un teatro y dan ganas de aplaudir al final de muchos de los números musicales. Pero, reconozcámoslo, no es una gran película. Las relaciones personales entre los personajes sólo tienen intensidad cuando los personajes cantan. Por ejemplo, no hay pasión ni intensidad en los besos o las relaciones sentimentales de Curtis y Effie o Curtis y Deena y Jimmy y Lorrell Es todo muy frío, muy distante, muy poco real. En muchas ocasiones te preguntas si Curtis y Effis son pareja, no lo son, si CC y Michelle lo son…Si el R&B es tan intenso, tan pasional, tan provocador ¿por qué las relaciones entre cantantes, músicos y mundillo artístico son tan puritanas? No tiene mucho sentido. Los “blancos” se escandalizaban de la música “negra” porque había sexo, había pasión, intensidad, claridad, explicidad en las letras, la música, los movimientos… Es lo que atraía a los jóvenes. Si lo hay en la música y no en las relaciones entre ellos, todo es muy frío. Esto es la película. Pero yo quería hablar aquí de las Supremes. Y es que, después de meterme en la historia de The Supremes , la historia de The Dreams me parece light, muy light, de hecho. Por lo que parece, Diana Ross era bastante mal bicho, cosa que Deena Jones en la peli, no. Interesadilla, pero mal bicho, no parece. Y, a partir de aquí, quien no haya visto la película, que se espere a verla para leer lo que sigue.
La película es muy fiel a las líneas generales de la historia de las Supremes (de hecho, Diana Ross nunca quiso ver el musical y, sin embargo, Mary Wilson tituló su autobiografía “Dreamgirl: my life as a Supreme”). Según parece, es cierto que una de las Supremes, de hecho su fundadora, Florence Ballard, fue relegada por la voz más pop de Diana Ross para conseguir llegar a las listas de éxitos “blancas”, objetivo de Berry Gordy. También es cierto que Diana Ross estuvo liada con Gordy. Florence Ballard (en la foto), una vez relegada, continuó en el grupo, pero se deprimió y empezó a beber hasta que fue incapaz de actuar. Fue despedida, pero no se recuperó. Aunque intentó seguir su carrera musical, no tuvo ningún éxito y murió en 1976, muy pobre.Verdad es también que Holland-Dozier-Holland abandonó la Motown por una pelea por los royalties, no por lo que se estaba haciendo con su música. La disputa fue por derechos de propiedad. Es cierto que The Supremes se convirtió en Diana Ross& The Supremes, pero alguna de las canciones de The Supremes se grabaron sin ellas( por lo visto, la canción “Someday we’ll be together”, el éxito final de The Supremes) fue grabada por Diana Ross y otras cantantes, no Mary Wilson ni Cindy Birdsong, que había sustituido a Florence Ballard. Sí, es cierto que Diana Ross se reunió con Mary Wilson y Cindy Birdsong en 1983 para cantar juntas “Someday we’ll be together” en la celebración de los 25 años de la Motown. Mientras en la peli se reúnen en amor y compañía las cuatro The Dreams, en la vida real hubo incidentes. Durante el programa de televisión emitido por la NBC, Ross empujó a Wilson lejos de ella y después quitó el micrófono de la cara de Wilson cuando ella estaba invitando a Berry Gordy, sentado en un palco del teatro, a bajar y unirse a todos en el escenario. Aunque todos estos incidentes fueron eliminados de la edición que se emitió, fueron ampliamente difundidos por los medios.Así que ya veis. La realidad supera la ficción.

Fecha: 30/01/2007

Vuelven Carmela y Paulino, variedades a lo fino: ¡Ay Carmela!

2007-03-08T13:11:00.000Z

Carmela y Paulino: Variedades a lo fino. Han vuelto. Han regresado y en un momento en que hacen mucha falta. Esta pequeña (grandísima) historia sobre la memoria, sobre la dignidad, sobre los muertos que lucharon por los que se quedan atrás, sigue vigente hoy día.
“Creía, sinceramente, haber escrito un texto humilde y “barato” para que mi modesta compañía de aquellos años, el Teatro Fronterizo, recorriera las tierras de España recordando a mis olvidadizos compatriotas que, cincuenta años atrás, en 1936 las fuerzas más oscuras y retrógradas de nuestra sociedad –tan vocingleras hoy- habían desencadenado una feroz guerra fratricida, cuyas heridas no habían sido todavía restañadas”. Está claro que la obra de José Sanchos Sinisterra ha superado los objetivos de su autor. Se ha separado de él para convertirse en una obra nuestra, de todos. Las grandes obras maestras de todos los tiempos tienen algo especial: nos llegan a todos, todos comprendemos a estos personajes, los sentimos cerca. Carmela y Paulino son dos seres que tratan de sobrevivir en un mundo en guerra, cada uno a su manera: Paulino, obedeciendo, de una forma servil, tratando de no meterse en política (como dice él, en plena guerra). Carmela con ingenio y con amor y, cuando la solidaridad humana le sale por los poros, dando la vida por lo que cree digno y justo, adquiriendo conciencia social.
¡Qué bonita esta historia que no se parece en nada a la película! La película está muy bien, pero es otra cosa. En la obra, los muertos están presentes, están incluso más vivos que los que se quedan. Y es importante para que, en el epílogo, nos hablen del olvido y el recuerdo. Esta obra de teatro va más allá del momento histórico (que reflejaba muy bien la película). Traspasa el momento de lucha para llegar hasta nosotros pidiéndonos que no olvidemos, para recordarnos que muchos se fueron luchando y que debemos tenerlos presentes, hacerles justicia no olvidando aquello por lo que ellos lucharon. ¡Qué bien ver Ay Carmela en teatro! Para los que no pudimos verlo hace años, es una auténtica maravilla poder apreciar esta historia de gente que gana cuando pierde (gana dignidad) y de esos muertos que siguen al lado, para que no los olvidemos.
Verónica Forqué se reencuentra con su personaje, el que hizo hace 20 años. Hay que reconocerle que su Carmela es tierna, es divertida, es impulsiva, natural y espontánea. Al principio se hace un poco extraña con ese acento granaíno exagerado, pero es un personaje tan bonito y Verónica Forqué lo quiere tanto (se le nota) que una se acostumbra a ese acento y lo llega a apreciar. Alguna de sus escenas ponen los pelos de punta realmente. Santiago Ramos es un Paulino un poco exagerado e histriónico. Parece más estresado que acobardado y, en ocasiones, yo eché de menos ese toque de humildad y de perdido que tiene el personaje cuando Carmela se va… Miguel Narros compone una puesta en escena sencilla y práctica, con un juego de luces que permite los flashbacks inmediatos y rápidos, con una neblina especial cuando Paulino habla con Carmela muerta, y una luz de vodevil de cómicos del camino muy bien conseguida en el momento del espectáculo de Varietés. Narros consigue que toda la ternura, toda la lucha solidaria que tiene ¡Ay Carmela! te lleguen sin sensiblerías, sin emociones facilonas, con respeto y dignidad. Logra una ¡Ay Carmela! que nos transmite que no sólo somos lo que vivimos, sino que también somos aquello por lo que luchamos.

Y, como me apetece, aquí va la letra de la canción que da título a la obra:
El Ejército del Ebro,

rumba la rumba la rumba la.

El Ejército del Ebro,

rumba la rumba la rumba la

una noche el río pasó,

¡Ay Carmela! ¡Ay Carmela!

una noche el río pasó,

¡Ay Carmela! ¡Ay Carmela!

Y a las tropas invasoras,

rumba la rumba la rumba la.

Y a las tropas invasoras,

rumba la rumba la rumba la

buena paliza les dio,

¡Ay Carmela! ¡Ay Carmela!

buena paliza les dio,

¡Ay Carmela! ¡Ay Carmela!

El furor de los traidores,

rumba la rumba la rumba la.

El furor de los traidores,

rumba la rumba la rumba la

lo descarga su aviación,

¡Ay Carmela! ¡Ay Carmela!

lo descarga su aviación,

¡Ay Carmela! ¡Ay Carmela!

Pero nada pueden bombas,

rumba la rumba la rumba la.

Pero nada pueden bombas,

rumba la rumba la rumba la

donde sobra corazón,

¡Ay Carmela! ¡Ay Carmela!

donde sobra corazón,

¡Ay Carmela! ¡Ay Carmela!

Contraataques muy rabiosos,

rumba la rumba la rumba la.

Contraataques muy rabiosos,

rumba la rumba la rumba la

deberemos resistir,

¡Ay Carmela! ¡Ay Carmela!

deberemos resistir,

¡Ay Carmela! ¡Ay Carmela!

Pero igual que combatimos,

rumba la rumba la rumba la.

Pero igual que combatimos,

rumba la rumba la rumba la

prometemos resistir,

¡Ay Carmela! ¡Ay Carmela!

prometemos resistir,

¡Ay Carmela! ¡Ay Carmela!

Fecha: 29/01/2007

Más cerca de Mariano Barroso

2007-03-08T13:10:00.000Z

Mariano Barroso se ha pasado al teatro. La verdad es que, por lo visto, ha sido ayudante de dirección teatral de Miguel Narros, José Carlos Plaza y Lluís Pasqual. ¡Ahí es nada! Además, y para completar currículum, estudió dirección de escena e interpretación en el Teatro Español de Madrid y en el Laboratorio William Layton, del que fue socio co-fundador.A lo que íbamos. Que Barroso se ha puesto a dirigir “Closer”. La mayoría conoceréis la peli con Jude Law, Natalie Portman, Clive Owen y Julia Roberts. Igual os ha pasado como a mí, que no sabía que esta película está basada en una obra de teatro estrenada en el Royal National Theatre de Londres en 1997. Desde entonces, ha sido representada en las más importantes capitales del mundo, traducido a más de 20 idiomas distintos y recibido las mejores distinciones de crítica y premios como el Evening Standard Comedy Award for Best Comedy, New York Drama Critics’ Circle ó el Laurence Olivier Award for the Best Play.“’Más cerca’, ese es el significado literal de la palabra “CLOSER”, eso es lo que necesitan ávidamente todos los personajes de esta función: estar más cerca, tener intimidad, como sea, a cualquier precio. Los cuatro se buscan y se necesitan de manera compulsiva pero, también compulsivamente, se mienten y se traicionan, se abandonan y se pierden”, así resume Mariano la obra. Y me parece una buena síntesis.
Si has visto la película, la obra te la irá recordando. La película sigue prácticamente escena a escena la obra de teatro. Sin embargo, José Luis García Pérez (que hace de Larry, el doctor, vamos, de Clive Owen) y Lidia Navarro (Alice, aka Natalie Portman) y Belén Rueda (Anna, aka Julia Roberts) hacen suyos sus papeles y desde el primer momento olvidas a los actores y recuerdas el personaje. Es difícil. Al fin y al cabo, son los mismos personajes. Y estos actores están a gran altura al haber aceptado el reto y haber conseguido superarlo. Sobre todo José Luis. No es Clive Owen, es Larry, un Larry propio, nuevo, y al mismo tiempo, el de siempre. Igual ocurre con los demás. Quizás Sergio Mur (Danny, aka Jude Law) sea el que más se parece a Jude Law y no crea un Danny distinto a la película. Es una pena. Porque Jude Law es mucho Jude Law, y lamentablemente, se queda en la cabeza y, en las comparaciones, Sergio pierde. Y, por eso, Danny también. Con todo, lo peor de la obra fue el público que me tocó ayer. Yo tuve a una chica detrás con una risa aguda y estruendosa que me dejó sorda varias veces. Además, se reía cuando en el escenario tenía lugar una crisis, una pelea (¡qué manía de reírse por todo! Especialmente por las cosas más tontas, como si tuviera 15 años por oír la palabra “follar”. Lo que hizo comentar a la amiga con la que iba a la salida que parecía que estaba viendo una película de Mel Brooks. No sólo fue esta chica. El público estaba compuesto mayoritariamente por mujeres, algunas de ellas del espécimen (no sólo mujer, dicho sea de paso) del que comentan como si estuvieran en el salón de su casa, lo que, en la fila 2 como unas que tenía delante, es estar bastante cerca de los actores, que obviamente lo oyen. Alguna miradita lo dio a entender. De nuevo el silencio. ¿Tan difícil es estarse callado durante una hora y media, dos horas? ¿No se puede comentar a la salida? Lo siento, pero no me cansaré de reclamarlo. Esto es una “cruzada” contra móviles en las salas y por el SILENCIO). En fin, cargaos de paciencia, pero id a verla. Merece la pena. Algunas de las escenas son mejores en la obra que en la película y, si no te gustó la propuesta de Mike Nichols para el cine, inténtalo con la de Mariano Barroso en el teatro.

Fecha: 19/01/2007

Un provocador en el Real: el Wozzeck de Bieito, con polémica

2007-03-08T13:08:00.000Z

Sí, allí estaba : la provocación “punk” en el escenario del Real. Os prometo que cuando vi cómo le echaban al protagonista una especie de vómito por encima, cómo pringaban a otro de una supuesta sangre, el personaje del doctor lamía el cuerpo “muerto” de una chica y otros dos personajes simulaban follar, me hizo muchíisma gracia porque me pareció una actitud punk: hacerlo en una sala de teatro alternativo no es lo mismo que hacerlo en la meca del rancio conservadurismo: el Teatro Real de Madrid. Y eso es tener una actitud punki, creo yo.
¡Bravo por Calixto Bieito! Cada vez me parece más divertido ver sus provocaciones y, sobre todo, ver cómo se molesta la gente. En el Real, rodeada de gente de más de 50 años que compran sus abonos todos los años para ver ópera, o sea, ricos (los pobres sólo podemos ir invitados… Valga este post para señalar el carácter absolutamente clasista e injusto de la ópera en este país. No entiendo por qué no se programa más ópera a precios populares. ¡Qué diferencia con otros países europeos donde la ópera y la música clásica están continuamente en la calle como algo cercano y accesible!) Aquí es absolutamente clasista), me encantó ver cómo se revolvían en su asiento cuando los cuerpos muertos y desnudos se apilaban en el escenario o cuando, al final, todos los extras salen desnudos mirando al público.
Lo que a mí me pareció muy bello, dicho sea de paso. Esta aparición del desnudo en las obras que monta Bieito me parece de lo más valiente. La gente se siente muy incómoda viendo gente desnuda sobre el escenario. Nos sentimos muy incómodos. Y Bieito lo sabe. Los desnudos en las obras que monta el director catalán tienen sentido siempre. Al menos para mí. No son gratuitos. Y la incomodidad se desvanece cuando aceptamos que estamos viendo “verdad”. Es lo que somos: cuerpos humanos, unos estéticamente más agradables que otros, pero todos bellísimos porque es la esencia que nos une. Una parte, la más material, es nuestro cuerpo. Es lo que tenemos, con lo que nos situamos en el mundo. Y, por eso, mostrarlo desnudo es un acto de homenaje. Y de provocación porque, paradójicamente, nos sentimos incómodos viéndonos tan vulnerables. Viendo a los actores tan vulnerables.
Pero Bieito no sólo provoca con esto. Provoca mostrándonos un mundo desolado, pobre física y moralmente, donde los poderosos utilizan a los trabajadores para sus propios fines y donde trabajar para sobrevivir, en un mundo contaminado e intoxicado, es lo único que queda. Un mundo en el que un rayo de sol puro y un trocito de césped verde significa la felicidad, donde los niños no pueden respirar sin estar enganchados a una bomba de oxígeno… Un mundo donde los muertos se compran y venden.
La mitad del público se fue rápidamente de la sala, sin aplaudir. Muchos nos quedamos y aplaudimos a los magníficos intérpretes de la Orquesta del Real y a los actores-cantantes (con papeles muy difíciles ya que durante la mayoría de la ópera recita y no cantan).

Y, pese a todo, se me hizo muy larga. Reconozcámoslo: operísticamente, no tengo mucha base musical. Vamos, que no tengo mucha idea. Y se me hizo muy difícil esta ópera para melómanos. Por eso siempre me llevo a algún colega “experto”. El amigo que me acompañó me aseguró que musicalmente es una gran ópera, pero me señaló, muy acertadamente, que había muchísimos guiños que probablemente sólo entenderán los que hayan visto “Wozzeck” muchas más veces representada y la hayan escuchado algunas veces más. No es una ópera fácil y, en esta versión, menos aún. No tiene un nivel para aficionados, otro para entendidos y otro para expertos. Casi toda es para expertos y, los que no lo somos, nos quedamos un poco abandonados…y aburridos. Es una pena.

Fecha: 19/01/2007

Tim Robbins vs Fachardón

2007-03-08T13:07:00.000Z

¡Mira que me caía bien Tim Robbins y me gustaba como actor! Pero sus declaraciones de ayer han hecho que esté en lo alto de todos mis "altares". Resulta que Tim vino a Madrid a apoyar el I Festival Internacional de Cine de Madrid. Gallardón, viendo que las elecciones están al caer, se dejó ídem en la sesión de fotos del famosísimo actor norteamericano sin que estuviera previsto y sin que nadie le esperara. Pero a él le dio igual. Hete aquí que la jugada le ha salido mal porque a Robbins no le gustó nada que un político de derechas utilizara su imagen. Éstas son algunas de las frases de Robbins, director, entre otras de "Pena de muerte":
- "Mi intención era apoyar el festival, no salir en fotos con políticos de derecha. Siento que me han utilizado".
Y ya puesto, se animó y explicó que, a su parecer,
- "Es curioso que un alcalde pueda hacer el esfuerzo de venir a hacerse una foto con un actor norteamericano peron no lo haga para unirse a la ciudadanía en una manifestación."
Se le ve bien informado de la manifa del sábado contra el terrorismo... Y otra perla:
- "Resulta sospechoso que el representante de la ciudadanía sea incapaz de escuchar la voz de esa ciudadanía a favor de la paz."
Leer toda la noticia

Fecha: 16/01/2007

Jonhhy cogió su fusil, una mirada antibelicista de total actualidad

2007-03-08T13:05:00.000Z

Donald Trumbo escribió en 1939 una novela antibelicista que, más tarde, convertiría en película (para la que también escribió el guion). Confieso que tengo pendiente terminar de ver la película (mi primer intento fue hace años cuando la pusieron en La 2, en Versión Original subititulada alrededor de las dos de la mañana y, seguro que es excelente, pero es leeeeeennnnntaaaaaaaa. Tengo que hacer otro intento en horas normales de la tarde...).
Johnny cogió su fusil nos cuenta una dura historia, la de Joe Bonham, un soldado de la Primera Guerra Mundial horriblemente mutilado en el frente. Joe está vivo, pero es sólo un torso sin rostro. Con este material, Jesús Cracio ha montado una excelente versión teatral, con adaptación de él mismo y de Antonio Álamo) que ahora se puede ver en la Sala Cuarta Pared . Iba con un poco de prejuicio, lo confieso, dada mi experiencia con la película. Pero nada que ver.
Esta versión teatral atrapa y no sólo por la música (excelente, de los 60 y 70). Los actores están magníficos, sobre todo los dos chicos que hacen de Joe (¡qué difícil tirarse toda la obra con la cara vendada y dar la sensación de vida y pensamiento!). DESGRACIADAMENTE, su trabajo se vio interrumpido por una ENERGÚMENA que, no sólo dejó encendido el móvil con EL MANOS LIBRES ACTIVADO sino que además COGIÓ EL TELÉFONO y le dijo a la que la reclamaba ("Isabel, Isabel, ¿estás ahí?", pudo oír todo el teatro, incluido el actor que se quedó descolocado) que luego la llamaba en medio del silencio sepulcral de la sala.
Algo hay que hacer con esta gente. Esta gente no debería ir a los teatros. ¡Qué falta de respeto por los que están encima del escenario y por los que han pagado la entrada! Y no es la primera vez que lo veo. Me parece increíble. Situada entre dos amigos, miré a uno que me dijo: "Qué hija de puta", cosa que suscribo, y luego miré al otro que me miraba hacia la oscuridad de donde salía la voz con los ojos desorbitados, como si quisiera desintegrarla con la mirada, diciendo "¡Qué fuerte"!. Propongo que cuando pase esto, se enciendan las luces y se invite a esa persona a salir de la sala. De verdad. En Sabores, de Sara Baras, cuando se ve una luz de móvil (porque la gente, aunque deja el móvil en silencioso, se dedica a mirarlo durante toda la obra y la luz esa tan molesta se ve, se nota, se padece. ¡No pueden estar dos horas sin mirar el móvil! Yo creo que la gente está enferma, sinceramente...) el acomodador le enchufa con la linterna. Medida avergonzante donde las haya, pero eficaz. Por lo menos es una medida.
Me fastidia mucho tener que haber dedicado un párrafo de este post a DENUNCIAR este tipo de comportamientos irrespetuosos. Pero hay que hacerlo. Yo me quedé con ganas de gritar "¡Apágalo ya!" (en esos momentos mi yo verdulero justiciero me rebosa de todos los poros), pero no era cuestión de desconcentrar más a los actores.
Salvo por este incidente, la hora y cuarto (minuto arriba, minuto abajo) que dura la obra se me hizo corta. La escenografía es sumamente eficaz para representar el hospital y los flash-backs que pueblan el montaje. Tiene momentos magníficos de monólogo (antiguerra, ante la estupidez y la crueldad de la guerra a la que nunca van los que las deciden) y de esperpento. Estoy segura de que irá, inlcuso, ganando en estos días, cuando los nervios del estreno que se notaban en algunos actores vayan desapareciendo. Muy recomendable.

Fecha: 12/01/2007

Yvonne de Carlo nos deja

2007-03-08T13:02:00.000Z

Sí, queridos, la entrañable Lily Munster que alegraba nuestras mañanas adolescentes de sábado junto a Herman, el Abuelo, Eddie y Marilyn... ha muerto a los 84 años por causas naturales.
Esta canadiense de origen, nacida Peggy Yvonne Middelton, siempre me impresionó por su belleza y por la de pelis kitsch que hacía en technicolor, toda rodeada de dorados y de colorido.

Tuvo una época en la que aparecía en todas las de piratas y también otra de corte bíblico (se hizo famosa por su papel de Salomé en "Salomé la embrujadora"). Faceta menos conocida es su éxito en la obra de Broadway, 'Follies', de Stephen Sondheim.
Así que hoy podemos recordar esa estupenda historia de amor entre Lily y Herman.

Fecha: 12/01/2007

Si la gente quiere ver sólo las cosas que pueden entender, no tendrían que ir al teatro: tendrían que ir al baño

2007-03-08T13:00:00.002Z

Palabras de Bertolt Brecht. Hoy he decidido recordar algunas frases de este gran escritor como homenaje. Ahí van algunas perlas:
El arte, cuando es bueno, es siempre entretenimiento
El arte no es un espejo para reflejar la realidad, sino un martillo para darle forma
Cuando la hipocresía comienza a ser de muy mala calidad, es hora de comenzar a decir la verdad
¿Qué es el robo de un banco en comparación con fundar uno?
Un hombre debe tener por lo menos dos vicios, uno solo es demasiado

Fecha: 10/01/2007

Esperando a Cálico

2007-03-08T13:00:00.001Z

Esperando que llegue la 3ª temporada de Cálico Electrónico os recomiendo, a los que ya seáis fans, que volvais a ver el último capítulo de la 2ª temporada, para que no os pille desprevenidos el próximo capítulo... Y para los que todavía no lo conoceis, no os lo perdaís. Os recomiendo que empeceis por el 1.1, es decir, el primer c apítulo de la primera temporada (¡no vais a poder parar!).

Fecha: 09/01/2007

Lo mejor es no hablar de nada

2007-03-08T12:40:00.000Z

Miguel Mihura dixit. Pero como esto es un blog, habrá que hablar de algo que luego los lectores me protestan (sí, queridos, ¡¡¡hay lectores!!! Estoy emocionada y agradecida snif, snif. Seguid así, plis!).
A lo que íbamos después de este momentazo. Miguel Mihura, don Miguel como le llaman los personajes de esa estupenda y muy, pero que muy recomendable obra "Las visitas deberían estar prohibidas por el Código Penal" (¡qué gran verdad!),suelta lindezas de ese tipo por boca de una monja andaluza, antes vaca gallega, un señor de Murcia, un bombero torero o una novia rebelde, y otros personajes igual de absurdos y divertidos.
Yo, el amigo con el que fui y uno de un palco nos lo pasamos "jamón", como dicen en la obra. No entendí por qué la gente no se "descoxonaba" (permítanme la licencia "mexicana" absurda, creo que viene a cuento) de risa. Mi amigo me hizo notar que parecía gente un poco mayor. Vale, pero los textos de Mihura fueron escritos hace ya muchos años. Tiene un humor para todo el mundo. Y un poco estirada, continuó mi amigo. La verdad es que sigo sin entenderlo. Peor para ellos porque el del palco, mi amigo y yo pasamos uno de los mejores ratos que me ha proporcionado el teatro en los últimos meses.
Cinco minutos después de entrar en un bar cercano a tomar algo y sin poder dejar de comentar los puntazos que nos habían hecho reír más, apareció todo el elenco también a tomar "un refrigerio". Felicitando a una de las actrices por un sketch que nos había gustado mucho, ella comentaba que había sido una noche "rara", que ellos no sabían qué pensar desde el escenario. No me extraña. Le dije que no, que había sido genial y que estuvieron fantásticos. Desde luego, mira que no partirse cuando se afirma que "un paraguas es un animal anfibio porque vive tanto fuera como dentro del agua. Como los garbanzos"... No me digais que no es para caerte allí mismo de la silla. Y no cuento más lindezas para no estropearles el argumento. Pero los momentos absurdos son tan geniales que no deben perderse esta obra. Igual es eso. Que no todo el mundo entiende el humor absurdo. Por cierto, se representa en el Teatro María Guerrero de Madrid.
Me comentaba un colega crítico que la idea original de recuperar textos de Mihura y unirlos (cosa que han hecho de forma excelente Eduardo Caballero e Ignacio del Moral, a los que pido desde aquí que publiquen en algún sitio, a ser posible internete, al alcance de todos, el texto de la función) había sido de Josep María Pou y que éste se había retirado del proyecto por no estar de acuerdo con los textos escogidos. Parece ser que quería utilizar algunos más "cañeros". Mi colega me decía que me imaginara cómo hubiera acabado yo de la risa si esta versión ya me había encantado. ¡Ojalá la podamos ver algún día!

Fecha:

08/01/2007

Fallece Carles Fontseré, uno de los mejores cartelistas de la época de la República

2007-03-08T12:39:00.000Z

A los 90 años ha muerto Carles Fontseré . Seguro que conocéis muchas de sus obras que se han expuesto en varias de las exposiciones que ruedan por el Estado sobre Recuperación de Memoria Histórica y la República. Hizo carteles para la CNT, FAI y el POUM, sobre todo. En el exilio, llegó a trabajar en Hollywood haciendo carteles. En los últimos años luchó por la devolución de los papeles del Archivo de Salamanca, ya que él fue uno de los damnificados.

Fecha: 05/01/2007

Calixto Bieito se lo monta con Plataforma

2007-03-08T12:09:00.000Z

Y tanto que se lo monta! El espectáculo es brillante, la escenografía impresionante (por lo práctica, lo útil, lo eficaz, por lo tremenda), los actores del Romea increíbles y el texto, fantástico. Con tales materiales Bieito sólo tenía que aderezar. Pero, aquí pequeños saltamontes, es donde se nota la mano del maestro. Todo esto, en manos inadecuadas y mediocres, sería un espectáculo pretencioso. Pero en manos del genial director teatral se convierte en una parodia de la sociedad actual llevada a sus extremos.
Claro que todo esto ya lo tiene el texto de Michel Houellebecq, pero sin el toque Bieito no sería igual.
¿Y cuál es el toque ése tan fantástico? os preguntaréis muy justamente. Para mí, su toque es la mezcla de elementos de muchos espectáculos en uno. Hay cine (porno, eso sí), hay música (karaoke, estética de vídeo musical, de teatro musical), hay monólogos (explicaciones hacia el público, reflexiones en voz alta sobre religion, trabajo, amor, familia) y, sobre todo, hay parodia, hay ironía, hay humor, negro, bestia, sutil ... Y que todo eso fluya, que no se "mate", por decirlo coloquialmente, que todo esté bien combinado y situado en su momento es el toque.
La sociedad que retrata Houellebecq es una sociedad hastiada, aburrida, sin valores, sin principios... y eso es lo que muestra en escena. Bieito rescata de todo ese mundo una historia de amor pero, personalmente, no fue lo que más me llamó la atención. Lo más interesante es la crítica radical contra todo tipo de sociedad, sobre todo la occidental, claro, llegando incluso a momentos de parodia sangrante como el relato de una violación… Creo que lleva tantos momentos al extremo que dejan de ser lo que parecen para convertirse en otra cosa… Por ejemplo, durante un rato bastante largo al princio vemos cómo los personajes ven porno en un peep show. Extender tanto esa escena hace que ya no tenga que ver con el porno, tiene que ver con la soledad, el hastío, la incomunicación… La charla sobre sexo con tailandesas se convierte en una muestra de la pérdida de valores, de la confusión de roles en la sociedad occidental; el monólogo de Jean-Yve sobre cómo se tira a una canguro me pareció (y aquí ya no sé si me lo tengo que hacer mirar) lo más tierno que cuenta el tipo, un ejecutivo agresivo el resto del tiempo, pero el tono con que lo cuenta como si estuviera siendo salvado por una chica de 15 años cuando te está contando que abusó de ella… Lo mismo pasa con Belén Fabra, que se pasea desnuda continuamente durante el escenario. Deja de ser un cuerpo para convertirse, sobre todo con los ojos, con la voz, con los gestos, en un símbolo, en una supraconciencia de todos ellos…
Hubo gente que se salió del teatro. Es lo que tiene que te estén diciendo cómo somos, lo sórdida e hipócrita que es esta sociedad. Sin embargo, y no soy masoquista, está bien que nos demos cuenta de lo que hay a nuestro alrededor y, fundamentalmente, por qué está pasando... Así es nuestra sociedad y, lo que se ve en el escenario, son los valores que se alientan: competitividad, sexo, juventud, belleza... El extremo, lo pone Bieito.
Lo dicho. Escénicamente brillante, los actores del Romea impresionantes, el texto buenísimo y Echanove muy bien, salvo al final, pelín sobreactuado y con gestos made in Echanove (tanta baba cayendo, tanto movimiento frente a la contención y sobriedad de las actuaciones del resto de actores - Marta Dominog, Lluís Villanueva, Carles Canut, Mingo Ràfols, Boris Ruíz, Belén Fabra- parece fuera de sitio). Para no perdérsela si se dejan impregnar del tono de crítica exarcerbada. Para verla, en Madrid, en el Teatro de Bellas Artes hasta el 14 de enero.
Fecha: 22/12/2006

Todavía creo en el poder político de la música. Somos mensajeros

2007-03-08T12:08:00.000Z

Es lo que afirma Wayne Kramer en una entrevista. Kramer es el guitarrista de la mítica banda MC5 (Motor City 5) que, junto a The Stooges (el grupo de Iggy Pop que estuvo este año en el Festival Azkena, donde también tocaron New York Dolls), son considerados dos de los grupos precursores del punk.
MC5, por medio de su manager John Sinclair, estuvo relacionado con el White Panter Party, que publicó un manifiesto en la revista anarquista más duradera en inglés en la historia de EEUU, Fifth Estate. En el manifiesto se podían leer los diez puntos de su programa:
"1. Total apoyo a los diez puntos del programa del partido de los Panteras Negras.
2. Asalto total a la cultura por todos los medios necesarios, incluyendo rock'n'roll, drogas y joder en las calles.
3. Intercambio gratis de energía y materiales. ¡Pedimos el fin del dinero!
4. Comida, ropa, casas, drogas, música, cuerpos, cuidado médico gratis - todo gratis para todo el mundo!
5. Acceso gratis a la información de los medios -liberar la tecnología de los avariciosos!
6. Tiempo y espacio libre para todos los seres humanos - disolver los límites antinaturales.
7. Liberar todas las escuelas y todas las estructuras de la regla corporativa -devolver los edificios al pueblo de una vez!
8. Liberar a todos los prisioneros de todas partes - son nuestros hermanos.
9. Liberar a todos los soldados de una vez - no más ejércitos de reclutados.
10. Liberar al pueblo de sus "líderes" -los líderes chupan- todo el poder para el pueblo. Libertad significa que todo el mundo es libre. "
Ahora, tres de los cinco miembros de la banda (los que quedan), se han juntado con el nombre de DKT/MC5 y estarán de gira por aquí (29, Barcelona; 30, Madrid; 1, Santiago; y 2, Bilbao) con invitados como Lisa Kekaula (de The Bellrays), Handsome 'Dick' Manitoba (de The Dictators) y Adam Pearson (de Sister of Mercy).
Aquí tenéis una de sus canciones, Kick out the jams. No asusteis de los pelos que me llevan!!
Fecha: 14/12/2006

Afterplay: recuperando a Chèjov

2007-03-08T12:07:00.000Z

Sonia ha perdido al tío Vania. Andrei tiene dos hijos y aún le quedan dos hermanas. Ambos personajes se encuentran, gracias a la obra Afterplay, en un café de Moscú 20 años después de la edad que tenían en sus respectivas historias, aquéllas que escribió Chèjov (Tío Vania, Tres hermanas).
Blanca Portillo es Sonia y un Helio Pedregal en estado de gracia absoluta es Andrei. La sala pequeña del Teatro Español permite la intimidad, nos deja acercarnos a estos dos seres solos y herederos de trágicas historias pasadas que marcan su presente.
El autor Brian Friel consigue reunirlos en nuestra presencia y logra que sus sentimientos y miedos se desnuden ante nosotros. La dirección de José Carlos Plaza, invisible -como debe ser la mano de un director- , nos guía por un escenario en el que una mesa y dos sillas, unos papeles y dos maletas, componen todo el atrezzo. No hace falta nada más para sentir la tristeza de los dos personajes, el calor humano que reciben el uno del otro, las miserias que comparten y las oscuridades de una vida que se desliza en la melancolía de lo pasado.
Blanca Portillo es una muy buena Sonia, con una evolución del personaje muy gradual y significativa, pero Helio Pedregal se alza como un Andrei frágil y, al mismo tiempo, nos descubre cómo esa vulnerabilidad, esos fracasos en la vida le han hecho el más fuerte de los dos. Le han hecho mirar hacia adelante más que a su compañera.
Teatro clásico, intenso y emocionante. Un teatro que deja, como Play Strindberg, una pequeña huella en la memoria días después de haber visto la obra.
Fecha: 11/12/2006

Trío de ases: Play Strindberg

2007-03-08T12:06:00.000Z

He tenido la ocasión de asistir a una función de Play Strindberg que se representa en el Teatro La Abadía de Madrid. Si no habéis ido a esta iglesia readaptada a teatro, id pequeños, no os defraudará. Es maravilloso ver estos espacios tan cuidados (el día que fui llovía y nos dieron a todos bolsitas de plástico para los paraguas para que no gotearan ni mojar a nadie) y que acercan tanto el teatro al público. Esto sí es asistir a una obra. Realmente estás al lado de los actores, igual que ocurre en la Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán, sito en la plaza de Lavapiés y donde se ha representado hasta hace poquito la obra Barcelona, mapa de sombras, de Lluísa Cunillé. Una de las mejores obras que yo he visto. Realmente magistral.
Volvamos a Play Strindberg. Tres grandísimos actores: José Luis Gómez, Nuria Espert y Lluís Homar. Un gran director: Georges Lavaudant (director del Théâtre de l’Odéon de París). Un texto de Friedrich Dürrenmatt que, a su vez, adapta otro de August Strindberg, Danza macabra. Una escenografía basada en un ring de boxeo con sus 12 asaltos.
Todos estos elementos se combinan para pasar una de las mejores hora y media que se pueden pasar últimamente en un teatro. José Luis Gómez y Lluís Homar están fantásticos. Lo de José Luis Gómez es impresionante y lo de Homar también, pero su papel es más cortito (aún así lo borda). Para Nuria Espert tengo algunos peros (sus muecas y gestos de la cara para mí eran muy exagerados), pero a medida que avanza la obra su papel va adquiriendo matices y ganando en empatía con el público. A ver. Ninguno de los personajes permite la identificación, pero sí podemos comprender cómo un matrimonio de 25 años se ha ido destruyendo y cómo la única diversión de marido y mujer es hacerse daño con crueldad.No me resisto a copiar aquí una cita que hay en el programa de mano: "Es difícil amar a la persona que conocemos. Amar significa sentir curiosidad. Sólo es atractivo aquello que aún no nos hemos hartado de ver. Quizá solamente sea atractivo lo que es nuevo. En todo caso, sólo podemos amar lo nuevo porque para poder amar a alguien que conocemos, es necesario que previamente lo olvidemos.
(...) Para poder amar a alguien durante mucho tiempo, tenemos que mentir, a nosotros mismos y aún más a la persona amada. Una forma de mentir es el ingenio. Así que pronto se vuelven ingeniosos. Se otorgan nuevos nombres, encuentran nuevos lugares donde besarse, nuevas posturas para dormirse. Durante un tiempo esto funciona, mas no se puede ocultar la realidad. Entonces, buscan otras formas de disimularla. Una de las maneras de prolongar el amor es mezclándolo con odio. Es la mejor manera, pero también la más peligrosa. El amor y el odio son el ratón y el gato. A veces el gato persigue al ratón, pero otras el ratón al gato. Cuando ambos se cansan de perseguirse, no queda mucho que hacer. Ya sólo se puede reconocer la más amarga de las verdades, la más amarga que es al mismo tiempo la mejor: dos personas que se aman no pueden estar en una isla sin dejar de amarse; no pueden ser una isla. Necesitan lazos con la tierra firme, necesitan a otras personas. Es un desconsuelo para los que creen que el amor es una isla en medio del mar, pero cuando nos cansamos de las islas es precisamente un consuelo. Cuando nos cansamos del amor, nos alegramos de saber que hay muchas personas más que sólo aquélla que amábamos." Pasaje del capítulo "Un tigre y una gacela" de El niño abrasado, Stig Dagerman (Suecia 1923-1954).

Fecha: 07/12/2006

Adios Mariska

2007-03-08T12:04:00.000Z

Me acaban de enviar la noticia!
La cantante del grupo Shocking Blue, Mariska Veres, ha muerto de cáncer a los 59 años. Para quien no lo sepa, Shocking Blue fue un grupo holandés que consiguió sus mayores hits en los 70. Suyos son los éxitos Venus (en los 80 popularizado por Bananarama, ese grupo de versiones) y Send me a postcard . Otra de sus canciones, Love Buzz, fue versionada por Nirvana y The Prodigy.

Fecha: 07/12/2006

Coppèlia: tutús revisados

2007-03-07T16:32:00.000Z

La nueva versión de Coppèlia del Ballet de Víctor Ullate (ahora también nada conocido como Ballet de la Comunidad de Madrid. Sigue siendo el de Ullate de toda la vida pero supongo que con más subvenciones) es muy bonita y agradable. Ayer me decía un compañero que es crítico de danza que "eso es lo peor que se puede decir de un ballet". No estoy muy segura. La nueva coreografía de Eduardo Lao es muy bonita, es un ballet que da gusto ver: técnicamente perfecto, con un vestuario y un maquillaje coloridos y una coreografía en un contexto moderno. Me pareció muy adecuado para estas Navidades. Si van a ir a verlo, verán ballet de calidad, pero... sin emoción. Los pasos a dos entre los dos enamorados (Coppèlia y Franz) no te hacen vibrar, no hay pasión. Casi ni se tocan... El doctor Coppelius es un borracho loco, y su largo vestuario impide ver bien los pasos del bailarín Luca Vetere. Las tres limpiadoras son, en principio, el contrapunto humorísitico del montaje, pero no siempre son graciosas, aunque las pasos que ellas protagonizan son los más originales. Precioso me pareció el papel de Diva Espectral de Ana Noya, pero no sale mucho... Eri Nakamura (Coppèlia) y ella tienen un bello paso juntas.
Confieso que no he visto la versión clásica de Coppèlia (dicen que hay una versión de Roland Petit, con Lucía Lacarra -su musa- y el Ballet de Tokio -con el que ha hecho el Pink Floyd Ballet, genial!, que vino este verano a Madrid- que me encantaría ver). De todas formas, el tiempo pasa muy rápido asistiendo al espectáculo del Ballet de Víctor Ullate. Que se lo digan a todos los parientes que llevaron a sus niñas (NIÑAS, que no niños; seguimos con el sexismo sin remedio...) a ver esta obra. Y no se les oyó en ningún momento, tan atentas estaban a todo lo que pasaba encima del escenario. Algunos mayores deberían aprender de ellas!

Fecha: 05/12/2006

El asesinato debería estar justificado en algunos cines

2007-03-07T16:30:00.000Z

Seguro que muchos de vosotros estáis de acuerdo conmigo. Ayer fui a ver Little Miss Sunshine, peli recomendable donde las haya. Me hubiera encantado hablar de ella en este post, pero tendrá que ser en otro porque me veo obligada a hablar de la fauna que merece ser exterminada de las salas de cine.
A saber: los comepalomitas y tragacocacolas (sobre todo los que sorben cuando ya se la han terminado!); los que desenvuelven caramelitos (especialemente los que lo hacen leeeeeeentamente intentando que se oiga menos. ¡Se oye lo mismo y tardando más! Confesad, pequeños, que no habéis deseado muchíiiiisimas veces que se atragante con el jodido caramelo!); los que sueltan comentarios como si descubriera en la peli perlas que los demás espectadores no, como si el guionista lo hubiera escrito sólo para él. Y lo que es peor, ve necesario compartir con el resto de la humanidad -que ha tenido la desgracia de caer en el mismo cine y en la misma sesión que él- su enorme sabiduría del tipo "ahora seguro que lo matan", " a que no consigue coger el autobús". Joder, eso se nos ocurre a todos. ¡No hay que ser un lince ni haber ido a Salamanca, leches! Además, aunque fuera un comentario tipo Garci ("se aprecia la influencia de Ford en esta secuencia") ¡qué no hemos pagado 6 euracos para oírte a tí, chaval! ¡Qué pagamos por ver y OÍR la peli! ¡No nos interesa lo que tú tienes que decir en una sala de cine sentado en la butaca! Nos interesa lo que los directores, guionistas, actores tienen que contarnos en la peli QUE HEMOS PAGADO POR VER.
Lo siento, pero me parece una falta de respeto hablar en el cine (y no digo nada de comer. No entiendo por qué la gente va al cine a cebarse. ¿Tanta hambre tienen? ¿No pueden comer antes o después? ¿No pueden pasar dos horas sin ingerir nada? Ayer ví a dos chicas con palomitas (extra grande), coca-cola (extra grande) y ¡¡¡perritos calientes!!! Fue divertido ver el tiempo que emplearon en dejar todo en el suelo hasta poder sentarse. Menos mal que se colocaron a una distancia de varios asientos lejos de mí) De verdad, no vayan nunca a la sesión de las 20.00 a los cines Ideal de Madrid un lunes día del espectador. Además, la copia de Little Miss Sunshine está fatal a la mitad de la peli.
Yo tuve que aguantar cómo un lumbreras de nuestro tiempo compartía su enorme saber no sólo con la chica que le acompañaba (también ejemplo de especimen clásico: los que van a ver una "comedia" y deciden que han de reírse por todo. ¿Por qué? Además, suele ser de las cosas que te obligan a pensar si alguien no se habrá dejado alguna puerta abierta en algún centro de reclusión de memos). Total, que éste gran sabio de nuestro tiempo creyó imprescindible compartir con su compañera una perla. Pero no en un susurro, sino con su voz normal. Comentario que era imprescindible que todos oyéramos: en el momento en el que uno de los personajes señala que es experto en Proust se oye: "el que escribió En busca del tiempo perdido". Eso es lo que tenía que compartir con nosotros: que se leyó el libro de C.O.U de Literatura. Y además tiene que hacerlo con los que hemos pagado casi 6 €. No me digan que no sería un atenuante en caso de asesinato...

Fecha: 03/12/2006

Un pequeño juego sin consecuencias

2007-03-07T16:26:00.000Z

Fue el éxito de la temporada teatral en Francia, ganadora de varios Premios Molière (de teatro en el país vecino). Escrita por dos jóvenes autores, Jean Dell y Gérald Sibleyras, decidieron mostrar que los pequeños juegos sí pueden tener consecuencias sobre todo si es un juego donde hay una pareja de por medio. Parecía no tener muy buena pinta cuando recibí la invitación para asistir al montaje que se ha realizado en Madrid bajo la dirección de José Luis Alonso de Santos.
Pero, queridos, no hay que dejarse llevar por los prejuicios. Uno de ellos era que se estrenaba en el Teatro Real Cinema, hasta ahora gestionado por Enrique Cornejo (sí, el productor-pareja de la Cantudo y el que pone el dinero en montajes de Moncho Borrajo y Esperanza Roy, entre otros. En una entrevista, confesaba que con 20 años estuvo enamorado de Lina Morgan!!). Pero, hete aquí, que el Teatro ha cambiado de gestores. La Clac y OPP han decidido darle un giro a ese Teatro, un pelín casposo, y modernizarlo, en principio, por dentro con su programación arriesgando con la adaptación de obras extranjeras de calidad por compañías jóvenes. Y se han estrenado con una obrita entretenida y con algunos giros de guión con sorpresa.
Entendámonos. No es la obra de tu vida, ni siquiera tu obra del año o del mes. Pero está muy bien para pasar el rato, reírte de la vida y reconocerte en algunos sentimientos, que esto de reflejarlos en el arte, ya sea cine, teatro, arte o literatura, saben un rato los franceses. En este caso, una pareja decide llevar hasta el final un pequeño malentendido sin saber todo lo que puede provocar en su relación.
A destacar el trabajo de Mariano Alameda (hala! otro prejuicio a la papelera, ya que es un ex chico-al-salir-de-clase, ex-chico-aquí-no-hay-quien-viva-ex-novio-de-Mauri, igual que otros son chico-almodóvar. Vaya, que el san Benito no te lo quita nadie. A mí también me gustaría ser chica-algo-lo-que-sea-así-como-si-de-pseudo-glamurosa-que-mola-mucho pero me temo que, como no llego a la categoría de chica-bond, mejor dejarlo estar. Si nos ponemos, mejor optar al top glamour!! Pues, eso, que el ex-chico-al-salir-de-clase lo hace bastante bien, mejor que sus compañeros, ciertamente. Aunque hay que decir que Alexandra Jiménez va ganando a medida que avanza la obra).
Leyendo la biografía de este madrileño ("nacido en la ciudad sanitaria de LA PAZ" (sic) ¿¿¿????. Sigan, sigan leyendo la biografía, que no tiene desperdicio básicamene por su estilo entre macarra-poético-telegrama), me he enterado que el chico tiene entre sus "contras" ser (por si le faltaba algún ex) también ex-chico-hostal-royal-manzanares (no me digan que no me lo ponen difícil para superar mis prejuicios. Si es que están justificados!!). Pero entre sus "pros" puntúa mucho haber participado en un Shakespeare dirigido por Miguel Narros y haber compartido peli con el gran, gran Carmelo Gómez (en "La noche de los girasoles". ¡¡¡Carmelo, te echamos de menos en el cine y en los escenarios!!!).
Leo que "Un pequeño juego sin consecuencias" se está rodando en Hollywood para el cine con Cameron Díaz y Jim Carrey. No voy a dar mi opinión sin verla, pero, a veces, es prudente no tirar los prejuicios directamente a la papelera.
En conclusión. Se puede pasar un rato entretenido, agradable y, lo mejor es te deja abierta la puerta a discutir sobre guerra de sexos una vez más (¡no me digan que no es entretenido lo de que "capullos son los tíos", "qué complicadas y raras sois las tías"! Es el ketchup -y/o mayonesa- de la vida: aparece en todo). Un pequeño contra: el precio. Si bajara un poquito, sería perfecto para adecuar calidad-precio, pero pagándolo espero que los espectadores contribuyan a que el Teatro Real Cinema se renueve también por fuera!).

Fecha: 01/12/2006

Cuando los tíos eran duros y las mujeres fatales: Brick

2007-03-07T16:25:00.000Z

Ayer fui a ver una peli de las de antes, pero con mucho de ahora. Y se agradece. Salvo por la duración, que sigue la línea de lo que pasa últimamente (dos horas y gracias, que ahora se estila que todo dure más de dos horas y media. Todavía hay que estar agradecida) y no como antiguamente que primaba el respeto al espectador y las pelis duraban lo que tienen que durar: hora y media; como mucho hora y cuarenta minutos.
El caso es que fui al preestreno madrileño de "Brick", la última peli de Ryan Johnson. La pena, que no fue en V.O.S. Desde aquí pedir a los distribuidores que hagan un preestreno en versión original!!!! Esta peli es para verla en su idioma original, es para disfrutarla como si hubiéramos recuperado a Philip Marlowe, Sam Spade, a Dashiell Hammett y a Raymond Chandler. Tiene todo lo clásico: detective duro, chica muerta metida en líos, femmes fatales, malo, matones y una trama negra, negrísima, oscura, a la no le falta nada. Desde luego, Johnson, autor del guión y director, se ha visto muchas veces "El halcón maltés" y "El sueño eterno". Pero también "Muerte entre las flores", "Uno de los nuestros" y algo de "L.A. Confidential".
Resulta curioso como la modernización del clásico se da por el entorno, no por el género. Es un género puro, es cine negro, pero desarrollado en un instituto y sus tramas con drogas. Sin embargo, la acción fluye a un ritmo muy especial dentro de una investigación en la que se suceden las pistas, en la que el detective no duerme y en el que el por qué se resume en una parrafada de la que te enteras bien poco (como en "El sueño eterno") pero ¡te da igual! El porqué siempre ha sido, en estas películas, menos importante que el camino del detective. Lo que nos atrapa es cómo va descubriendo todo lo que se le quiere ocultar, cómo su mente es más rápida que la de sus peligrosos contrincantes, cómo todo lo que hace lo hace por algo.
Es un acierto que el protagonista sea un tipo normal, un tipo en vaqueros y cazadora, con gafas, un tipo que todos hemos conocido, un tipo que todos hemos sido. Hasta aquí la concesión realista del personaje. Luego se transforma en Spade, en un solitario con un amigo fiel, su ayudante, buscando la respuesta al asesinato de su ex novia (tranquilos, esto se cuenta en el primer minuto de la peli). Un chico que parece frágil, pero es el más duro... y el más listo. Un buen trabajo de Joseph Gordon-Lewitt (pero también del resto del elenco). Muy recomendable para disfrutar y también para recordar esas pelis clásicas, que nunca pasan de moda, con las que hemos crecido y que nos ayudaron a amar el cine. Como a Ryan Johnson.

Fecha: 01/12/2006