Madrid en Danza 2008

Madrid nos vuelve a ofrecer un viaje alrededor de la danza. Del 8 al 29 de abril podremos sumergirnos en la más instintiva de todas las artes escénicas, en Sus múltiples formas, en la XXIII Edición del Festival Internacional Madrid en Danza.

Más de 300 artitas, procedentes de los más diversos lugares del planeta, se darán cita en las calles y teatro de la capital durante 23 intensos días en los que Madrid muestra la coreografía más actual y las diferentes visiones de los creadores, con su personal visión y forma de vivir la danza. Madrid en Danza nos propone un recorrido por múltiples caminos de la danza.

Compañías de Senegal, Canadá, Italia, Alemania, Taiwan, Francia, Reino Unido, Israel, Irlanda y España participarán en un festival que acoge las danzas más actuales. Destacables son las coreografías de Carolyn Carlson- Inanna-; la Suitte para dos pianos/Soneto/Beethoven 7 del Ballet de la Ópera de Leizpig; Orion/Caravan, de Cesc Gelabert; Moon Water, de Cloud Gate Dance Theater of Taiwan, con coreografía de Lin Hwai-Min, y De cabeza, de Teresa Nieto.

Entre las compañías presentes este año hay que mencionar a Losdedae (Onions, de Chevy Muraday); 10&10 Danza (Lo k n ves, n xsT, de Mónica Runde; la Compañía Daniel Abreu (Negro); Thomas Noone Dance (Mur) o Compagnie Jant-Bi (Waxtaan), y a bailarines como la canadiense Louise Lecavalier (Lone Epic/Lula and the sailors/”I” is memory), la israelí Talia Paz (Magnolia/Love/Habayta) y el irlandés Colin Dunne (Out of time).

El Festival, consolidado como certamen internacional, se amplía con actividades parelelas en las que el público podrá acercarse de una forma distinta a los profesionales de la danza. Así, bajo el título El peso engaña, se organizarán mesas redondas y conferencias sobre los hábitos y transtornos alimentarios; el cine llegará en el ciclo La cámara coreográfica, donde podrán verse películas como “West Side Story” o “The Rocky Horror Picture Show”. Además, habrá clases magistrales de la coreógrafa Eddie Ladd y el cámara Luke Jacobs en la Universidad de Alcalá de Henares.

Madrid en Danza concluirá con la celebración pública del Día Internacional de la Danza el 29 de abril en la Plaza de Oriente a las 18:00 de la tarde donde podrán verse de forma gratuita coreografías clásicas y actuales. A las 20:00 de la tarde tendrá lugar la Gala del Día Internacional de la Danza con un homenaje a la bailarina Ana Laguna en el Teatro Albéniz.

Tio Vania:Chèjov clásico

Representar a Chéjov es hacer un clásico. Y montar Tío Vania supone poner en escena una de las obras más representadas en el mundo teatral. El Centro Dramático Nacional acoge ahora la versión dirigida por Carles Alfaro con adaptación de Rodolf Sirera y con un reparto que promete grandes dosis de intensidad.

Es ésta una oportunidad para volver a ver en el escenario del CDN a Francesc Orella y Enric Benavent después de sus magníficos papeles en Un enemigo del pueblo. A ellos se unen en el reparto la gran María Asquerino y Emma Suárez, que vuelve al teatro después de hacer Electra con Mario Gas hace dos años.

Además, tendremos oportunidad de ver a la televisiva Malena Alterio (Aquí no hay quien viva) en uno de los personajes femeninos más codiciados teatralmente: la fea y trabajadora Sonia, enamorada sin que le correspondan.

Tío Vania recoge la esencia del teatro de Chéjov. La fatalidad, el destino y el pesimismo, la apatía de la existencia y el fracaso son los temas que transitan en la obra. Bajo el manto cotidiano, se esconden pasiones y frustraciones. Los diálogos parecen fluir, banales en apariencia, pero mostrándonos cada pequeño detalle del alma de los personajes. Como señalaba el autor, "los hombres comen, duermen, fuman y dicen banalidades y sin embargo se destruyen".

En las obras de Chéjov, como en la vida, la gente no vive intensamente cada segundo. “La gente no se suicida, no se ahorca no se enamora ni dice cosas geniales a cada minuto”. De ahí que su máxima sea que “la vida en la escena debe ser lo que es en realidad, y la gente, por tanto, debe andar naturalmente y no sobre zancos”.

La rivalidad entre la vida urbana y el campo, entre campesinos e intelectuales, entre el amor pasional y el amor acomodado, entre la belleza y la fealdad se muestran en la obra con fluidez, como algo natural, tal y como sucede en la vida cotidiana.

Como señala Sirera, “nadie consigue lo que persigue en el pequeño microcosmos en el que Vania, su familia y otros compañeros de destierro lamentan incesantemente su incapacidad para actuar. O la inutilidad de sus esfuerzos. Al final, como en otras obras del autor, unos se van y otros se quedan. Pero, en el fondo –ellos no son conscientes, nosotros sí–, nadie se ha movido del único lugar en el que siempre estuvo”.

Alfredo Alcón: Un gran Rey Lear

Conviene ir a ver Rey Lear. Gerardo Vera dirige esta adaptación del clásico de Shakespeare realizada por Juan Mayorga, una actualización que te envuelve y no te deja hasta el final.

Con una puesta en escena muy sencilla, lo que sorprende dados los últimos montajes del CDN y es de agradecer, el Teatro Valle-Inclán se llena de unos actores dispuestos a darlo todo por su personaje. Eso se aprecia y se agradece, sobre todo en el caso de Alfredo Alcón, que inunda las tablas con su presencia.

El argentino Alfredo Alcón es el magnífico Lear. Parece increíble que tenga 78 años. En escena, este grandísimo actor no se transforma, &Quotes&quot el viejo rey traicionado por sus hijas que acaba en la locura.

Junto a Alcón, destacan Luis Bermejo en el papel del bufón y Juli Mira como el conde de Gloucester, pero tampoco hay que olvidar a Pedro Casablanc como el conde de Kent y a Carmen Elías y Cristina Marcos como las hijas traidoras, Gonerill y Regan, o al malvado Edmond, interpretado por Jesús Noguero, y al buen Edgar, papel en manos de Albert Triola.

Todos ellos componen un Shakespeare actualizado, sobre todo en el texto, donde todo el fondo de las pasiones humanas, de las más altas a las más bajas, se suceden con fluidez. Sin la parte más anticuada del lenguaje que, en ocasiones hace a los clásicos demasiado clásicos, Mayorga ha sabido despejarlo para dejarnos un texto claro y tan comprensible que te guía sin tregua hasta el desenlace final.

La vejez, el amor, la traición, la lealtad, la locura, la guerra, la crueldad, la sangre, la familia... todos los temas shakesperianos aparecen en esta obra con algunas de las mejoras escenas del teatro (la división del reino, la marginación de la sincera Cordelia, Lear bajo la tormenta, Gloucester en el acantilado, el reencuentro entre padre e hijo, la llegada de Cordelia desde Francia..) que da gusto revisar de tanto en tanto, sobre todo, si es de la mano de esta estupendo montaje del CDN.

Tim Burton en Madrid

Tim Burton ha tenido una agenda apretada en su visita a Madrid. Rueda de prensa, chats en internet y presentación popular de su nueva película. Se ha metido a todo el mundo en el bolsillo con su buen humor y su amabilidad. Prueba de ello son sus bromas sobre el protagonista de su nueva película, “Sweeney Todd. El barbero diabólico de la calle Fleet”, la historia de un barbero asesino en busca de venganza: “Sweeney Todd soy todo yo. Me he convertido en ese personaje. Da miedo. La única diferencia es que yo no sé cantar. Todo lo demás es igual”.

El director de “Beetlejuice”, “Ed Wood”, “Sleepy Hollow” o “Big Fish”, ha estado en España para presentala. Un estreno muy esperado. Y no sólo porque es la nueva película del genial director de “Charlie y la fábrica de chocolate” o “Batman”, que arrastra miles de fans a las salas de cine, sino porque es la adaptación de uno de los mejores musicales de Broadway, cuya música y letra se debe a uno de los grandes mitos de la escena musical estadounidense, Stephen Sondheim.En una rueda de prensa aborratoda y con periodistas mitómanos que se han lanzado a por autógrafos del realizador nada más concluir las preguntas, Burton ha hecho gala de una gran amabilidad. En una situación parecida, Sweeney Todd habría cortado varios cuellos.

Y es que la película no escatima en sangre: “La primera vez que ví la obra, su estilo era el de un gran guiñol e incluía mucha sangre. Es algo que formaba parte del show desde el principio. Era importante que esa sangre estuviera presente porque es una película impresionista y no realista. Nunca pensamos en cambiarlo, formaba parte de la obra original”, señala el director.

A Burton se le ve contento de esta película en la que ha hecho algo muy novedoso para él: utilizar la música. Los actores cantan durante todo el metraje. “Me gusta la mezcla de la belleza de la música, la emoción de la música con el horror y el humor. Y también con el drama de amor trágico. Es una fórmula que no había visto antes y que hacen de ésta una película muy singular”, dice Burton. Y añade que “era algo novedoso ver cómo reaccionaban los actores ante la música y cómo con ella hicieron cosas que yo no les había visto hacer nunca”.

Es el caso de Johnny Depp y Helena Bonham Carter (esposa de Burton), protagonistas de la película. Para Burton, Depp hace “un papel ideal en el que le vemos cantar, algo nuevo. Creo que con esto empieza un capítulo nuevo en su carrera”. Considera al actor, que fue el único al que Sondheim dio su aprobación sin oírle cantar, “un actor de rol, de personaje, parecido a los actores de las antiguas películas de terror”.

Sobre los Óscars, cuyas nominaciones conoceremos el martes, este autodenominado director de “películas principalmente para perros y algún gato”, no espera nada ya que, asegura riendo, “los musicales de horror normalmente no tienen premios”.

(En la foto, cartel de "Sweeney Todd" con la firma de Tim Burton)

Noche de danza con Baryshnikov

Entre el 2 y el 5 de septiembre algunos tendrán la oportunidad de ver de nuevo a Mikhail Baryshnikov en Madrid. Y encima de un escenario (que es lo suyo, aunque ahora sea más conocido como el novio pintor de Carrie Bradshaw, la protagonista de la serie Sexo en Nueva York, interpretada por Sarah Jessica Parker).
Y digo algunos porque hace días que es imposible conseguir entradas, y yo me he quedado sin ellas (snifff)...
Con 59 años, volverá a bailar y no hay que perdérselo. Mucha gente dirá que está viejo y que no merece la pena. Es verdad que ya no veremos sus famosos saltos y sus piruetas, pero Baryshnikov conserva toda su presencia sobre las tablas y se dice que es el mejor bailarín vivo que existe. Es la oportunidad de ver bailar a una leyenda.

Lo demostró el año pasado cuando actuó con la compañía de la Baryshnikov Dance Foundation , Hell's Kitchen Dance. Al frente de la Fundación, Baryshnikov acompaña a los bailarines que forman parte del nuevo proyecto de la Fundación, Baryshnikov Arts Center (BAC). Y lo hace con enorme generosidad y gran sentido del humor. Sabe que él es el gran reclamo del cartel cuando danza. Su compañía, joven pero magnífica, es aún poco conocida y le viene muy bien la publicidad que acompaña al gran bailarín, que no defrauda. La coreografía en la que el año pasado danzó consigo mismo (detrás tenía una pantalla con imágenes de él hace años, bailando con toda la energía de la juventud). Con una gran elegancia y mucho humor, Barysnhikov repetía los gestos de su joven imagen. Por supuesto, sin piruetas ni saltos. Pero sólo verle allí, observando cómo se movía y cómo utilizaba los gestos y los brazos para transmitir, fue maravilloso. Al fin y al cabo, la danza debe transmitir, hacer sentir, y eso lo consigue Mikhail. En otra de las coreografías salía como el maestro, el que marcaba los pasos de la danza y todos los demás bailarines le seguían, transmitiendo el testigo a su joven compañía que demostró en todas las coreografías un nivel altísimo tanto de creación como de técnica y ejecución.

Este año Baryshnikov no viene con su joven compañía, pero estará magníficamente acompañado por Ana Laguna, Hristoula Harakas y Jodi Melnikc en el escenario del Teatro Español , y bailarán coreografías del prestigioso Jirí Kylián -ex director del Nederlands Dans Theater que, por cierto, abrirá la temporada del Teatro Real de Madrid en unos días- (CarMen), de Donna Cuchizono (Leap to Tall) y de Mats Ek (Place).

Sobre la desobediencia

“Una persona puede llegar a ser libre mediante actos de desobediencia, aprendiendo a decir no al poder. Pero no sólo la capacidad de desobediencia es la condición de la libertad; la libertad es también la condición de la desobediencia. Si temo a la libertad no puedo atreverme a decir “no” no puedo tener el coraje de ser desobediente. En verdad, la libertad y la capacidad de desobediencia son inseparables; de ahí que cualquier sistema social, político y religioso que proclame la libertad pero reprima la desobediencia, no puede ser sincero”. Erich Fromm: Sobre la desobediencia y otros ensayos.

El crimen sin resolver

El asesinato de Elisabeth Sort , conocida como "La Dalia Negra" por los vestidos negros que vestía - y bautizada así también como un juego de palabras con la película que Alan Ladd protagonizó por entonces (La dalia azul)-, inspiró el libro de James Ellroy en el que se basa la película, que ya anuncio que no he visto.

El libro de Ellroy es pura novela negra. Un crimen, unos detectives, una historia que resolver. Pero Ellroy siempre es es algo más. Es la corrupción que rodea a la polícia, la sordidez de Los Ángeles, las relaciones complicadas, la confusión, la búsqueda de la verdad como huída y medio que acabe con todos los problemas...

El crimen de La Dalia Negra quedó sin resolver. Hay muchísimas páginas en internet que hablan del tema y que tratan de hallar al culpable para tan horriple asesinato. Como los protagonistas del libro, mucha gente se ha enganchado a la historia de Betty Sort.

Una cita y una peli

"La cosa más cruel que un hombre le puede hacer a una mujer es considerarla perfecta". D.H. Lawrence

No creo que sea la cosa más cruel (se me ocurren muchísimas más, millones de veces peores como la violencia, el asesinato...), pero es curiosa la cita. Está clarísimo que "Nadie es perfecto". Da que pensar y me recuerda el papel de Katherine Hepburn en "Historias de Filadelfia": la mujer a la que todos consideran perfecta y que quiere dejar de serlo, que desea que la vean como una mujer con sus fallos. Necesita que la quieran cuando deja de ser responsable y se deja arrastrar por el alcohol, la locura o la pasión.

Los Persas by Calixto Bieito

Recién llegadita de Mérida -sí, ese lugar donde las palabras "brisa", "frescor" y "chaquetita" han sido borradas del diccionario porque ¿pá qué? si nadie conoce a qué se refieren- tras un viaje de una rapidez digna de Regreso al futuro, vengo cargadita de impresiones persas.

Sí, más bien con la mochila repleta de opiniones sobre la obra dirigida por Calixto Bieito y, cómo no, del Teatro romano de Mérida, "marco incomparable" y caluroso, la verdad - y si no que se lo digan a la ola de abanicos que se veían moverse como una ola, que diría la Jurásica, antes de comenzar el espectáculo. Era mirar a los sufridos espectadores y ver abanicos, hojas, programas... moverse como un mar de colores (vengo poeta, eh?). Bueno, pues a lo que iba.

Opiniones oídas al público asistente al acabar el evento:

-Bu

-Fuera

-¿Dónde están Los persas?

- No vuelvo a comprar una entrada sin saber qué obra es

-Un bodrio

- Ves, esto es teatro de verdad. Una obra que te dice cómo es el mundo, como te lo contaban los griegos, pero adaptada a lo de hoy, para que lo entendamos mejor

- Ha sido interesante

- ¿Tomamos algo aquí o fuera?

Comentarios oídos DURANTE LA OBRA:

-Fuera

- Aupa Atleti

- ¿Cómo va el partido?

- Dime, que estoy en el teatro

- Qué bien ha cantado

-Qué bien ha estado eso

Como podréis comprobar, se repite el fuera, pero vamos, yo sólo se lo oí durante y después de la obra al mismo que al principio cantó con los actores la canción de la Legión de "soy el novio de la muerte", que el espectador se sabía entera. Mentalmente, ya vaticiné yo que acabaría o yéndose - lo que hicieron al menos 20 personas, que yo viera- o gritando ese "fuera". Vamos, que estaba claro que iba a acabar decepcionadillo el hombre.

Bieito estará contento, que le pone eso de que la gente salga de sus obras... Y si no, ya me contarás lo de estrenar una obra antimilitarista, antinacionalista y bastante desagradable, intensa, sobrecogedora y horrible -como todas las guerras- en el Festival de Mérida , pudiendo estrenarlo en el Grec. Que le va la marcha. Y yo lo aplaudo.

Pues sí, desagradable, intensa, sobrecogedora, horrible, espantosa como toda guerra. Así son las escenas que protagoniza un coro de soldados españoles en Afganistán. Un coro porque esta obra mantiene la estructura clásica griega con un coro -lo soldados-, unos protagonistas - Jerjes, la hija (Natalia Dicenta), y un padre, Darío (Roberto Quintana)- que explican sus sentimientos en monólogos, un fantasma y repeticiones de una o dos ideas claras, a modo de estribillo... Aquí los dioses aparecen como neones, banderas o Ejército. Son los que dirigen los pasos de estos seres. Pero la obra gana con la readaptación -realizada por Bieito y Pau Miró- porque podemos identificar frases y momentos de "Apocalypsis Now" y momentos musicales como "Cry, cry Baby" de Janis Joplin (cantada magistralmente por Dicenta, te pone los pelos de punta, es muy intensa). En algunos momentos, la obra parece, es, un musical. En otros, un drama terrorífico. Siempre, una denuncia sin respiro contra la guerra
y contra los nacionalismos. Porque, como se dice durante toda la obra, "La guerra nunca termina. La guerra es eterna" y "La guerra va siempre contra los niños", los que son niños, los que serán niños y los que fuimos niños.

Donnellan y su Cymbeline

Ver a la compañía Cheek By Jowl es impresionante. Ver Shakespeare realizado por estos actores ingleses dirigidos magistralmente por Declan Donnellan emociona, sorprende y te hace "engancharte" al teatro. Prometo que después de ver esta obra no le pongo pegas a ninguna obra de 4, 5, ó 12 horas. Me apunto a ver "Homebody/Kabul", "2666" o el "Mahabaratta", de Peter Brook (si lo estuvieran representando en algún lugar) al momento. Cuando sales de esta función, quieres ver más de este teatro, del bueno, buenísimo. Con deciros que pensé comprar una entrada para hoy, mañana o pasado (sólo estarán hasta el día 28 en el Teatro Español de Madrid) nada más pisar la calle... Una pena que me reclame Mérida y Bieito con Los Persas...

Si podéis, no dejéis de acercaros a ver esta obra, de lo mejor de la temporada. La forma en la que Tom Hiddleston se desdobla en dos personajes, Póstumo y Cloten, pasando de uno a otro en un segundo y que parezca que realmente estás viendo a dos personas distintas es increíble! Los actores ingleses son otra cosa. Jodie McNee es fantástica como Imogene, pero Gwendoline Christie borda a la Reina Madrasta y Richard Cant es un gran Pisanio y Guy Flanagan un fantástico Iachimo, con su acento italiano. Hay una escena cómica con tres actores que podría estar en una serie de TV, en una película o encima del escenario y no creo que los actores tuvieran que cambiar nada. Serían igual de creíbles y de graciosos. Es impresionante. Esa forma de transmitir verdad, realidad, es lo que trabaja Donnellan con sus actores. Esto decía el director en una entrevista el año pasado con Marcos Ordóñez en El País : "En el mundo actual, donde hay tal sobredosis de imágenes, es una obligación para todo creador separar lo auténtico de lo impostado. Para eso hay que mirar de nuevo como un niño, en el sentido de que sólo un niño puede decirte sin pudor "no te creo". Cuando vamos al teatro queremos ver grandes personajes y grandes emociones, pero mueren en el mismo instante en que el actor intenta "hacerlo ver". Muchos actores entran en pánico porque tratan de "mostrar" una emoción. Es terrible, porque tienes la sensación de que te quieren persuadir de algo que, en realidad, no está pasando."

A mí me pasa muchísimo en el teatro. Ves gente que actúa. Yo no quiero ver gente que actúa encima de un escenario. Quiero ver gente que sufre, vive, piensa, se emociona realmente. Y, para que yo, espectadora, no vea que son actores y que me olvide de la posición de observadora, tengo que empatizar, reconocerme en esos personajes. Creérmelos de tal manera que no piense: "no existen, son falsos. Están actuando". Y que te pueda pasar con un Shakespeare es genial y una se siente muy agradecida por haberlo podido ver. "Peter [Brook] me ha enseñado muchas cosas del teatro (...) Pero lo más importante fue la noción del teatro como un viaje, una búsqueda espiritual. Estamos aquí para contar historias y, a través de ellas, conocernos, descubrirnos. Peter nunca es rebuscado ni pomposo. Me enseñó a huir de lo superficial, a buscar siempre hacia lo hondo pero sin perder la levedad. Es un alquimista, que combina admirablemente lo sacro y lo profano. Graduar ambas cosas es algo esencial a la hora de plantearse un espectáculo. Y entender que el teatro es un arte permanentemente inacabado", observa Declan Donnellan.

Discípulo de Brook, Donnellan desnuda prácticamente el escenario y lo llena con los actores, con sus movimientos medidos y con las luces que aparecen y desaparecen magistralmente. La adaptación es fantástica ya que el texto no se toca, es Shakespeare con su inglés antiguo, se habla de Britannia, de César Augusto, de los romanos... pero no desentona en absoluto con los trajes y la ambientación de los años 40, 50 que ha elegido el director británico.

Desgraciadamente me perdí The Changeling el año pasado, que también trajo Cheek by Jowl al Festival de Otoño. No pienso perderme nada más de lo que haga esta compañía. Y, para quien tenga oportunidad, Donnellan dirigirá Andrómeca en París en el teatro que dirige Peter Brook Théâtre des Bouffes du Nord . Ah! Y en el Festival de Otoño tendremos a Peter Brook, de nuevo, con The Grand Inquisitor, basada en Los hermanos Karamazov de Dostoyeisky, además de Fragmentos, basada en textos de Beckett. Pero del Festival de Otoño hablaremos más adelante porque no vamos a parar!!